Поздней осенью в Даугавпилсе
Выпуск №5-205/2018, Содружество
В самом конце осени группа критиков из Санкт-Петербурга, Москвы, Варшавы и Риги приехала в Даугавпилс, чтобы посмотреть и обсудить на труппе пять последних премьер здешнего театра. Акция была организована Даугавпилсским театром совместно с Ассоциацией деятелей русского театра зарубежья, базирующейся в Санкт-Петербурге при Театре-фестивале «Балтийский дом». Поэтому все отсмотренные спектакли были русскоязычными, хотя труппа Даугавпилса работает одновременно на трех языках - русском, латышском и латгальском.
Коллектив отсчитывает свое существование с 1856 года, когда инженер Даугавпилсской крепости Николай Гагельстром организовал первый на территории Латвии русскоязычный театр. А в своем нынешнем здании - Доме Единства - работает с 1938 года. Театр знал взлеты и падения. Так, в 1950-е, сразу после освобождения из сталинских лагерей, здесь работал Сергей Радлов. В театре был свой оркестр, балет, была поставлена опера. А в 1962 году его закрыли... как нерентабельный. Возрождение началось только в 1988-м, причем, сразу по всем фронтам. При театре набрали два актерских курса - латышский и русский, составивших основу будущей труппы. В конце 2000-х здание перенесло серьезную двухгодичную реконструкцию. А в 2011 году театр возглавил Олег Шапошников. При нем-то и началась долгожданная эпоха перемен.
Первое, что бросилось в глаза - невероятное разнообразие режиссерских эстетик, способов актерского существования, драматургического материала. Увиденные нами спектакли осуществлены постановщиками из трех стран - Латвии, России и Польши. Это молодые режиссеры, смело экспериментирующие, зачастую самостоятельно создающие литературную основу спектакля. Второе, что поразило, - молодая труппа, владеющая прекрасной русской речью, невероятно пластичная и музыкальная (часть спектаклей как раз поставлена на стыке драматического, музыкального и танцевального театров). Но это как раз объясняется просто: в 2014 году при театре набрали очередной актерский курс, а с 2012-го в штате состоит профессиональный хореограф - Ирина Савельева.
В первый вечер давали «Гамлета» У. Шекспира в постановке польского режиссера Люцины Сосновской. Спектакль камерный - актеры и зрители попадают в пространство сцены и закулисья, отделенное от зала пожарным занавесом. Такая рассадка принципиальна: ведь то, что происходит на площадке - не столько спектакль, сколько бесконечно повторяющаяся репетиция некоего действа, которому так и не суждено будет выйти на публику. Драматургия спектакля еще более свободна и клочковата, чем драматургия шекспировской пьесы. Отдельные эпизоды меняются местами, наползают друг на друга, развиваются параллельно. Актеры не играют роли, а словно бы примеряют их на себя, то и дело отпуская остроумные бытовые отсебятины. Сменяют друг друга в произвольном порядке различные переводы пьесы. Вдруг всплывает текст Стоппарда, и становится понятно: абсолютно все персонажи этого спектакля существуют в нем по принципу стоппардовских Розенкранца и Гильденстерна - как чужаки, искренне пытающиеся встроиться в местные «предлагаемые обстоятельства», но так и не успевающие это сделать.
Следующий спектакль - «Горе от ума» россиянина Юрия Квятковского. К сожалению, оригинального текста «русского Гамлета» из уст латышских актеров услышать не удалось - московские драматурги Андрей Родионов и Екатерина Троепольская переписали бессмертную комедию Грибоедова на современный лад. На уровне содержания - языком незатейливого капустника (Фамусов - депутат, сменивший пол Чацкий - его приемная дочь-неформалка, Софья - его родная дочь-тусовщица и т. п.); на уровне формы - стишками не то из дембельского альбома, не то из девичьего дневничка. Очень жаль, ибо для придуманного Юрием Квятковским, художником Наной Абдрашитовой и хореографом Ириной Савельевой яркого и современного визуального образа спектакля-комикса как раз очень бы подошел контрапункт с классическим текстом. А так все усилия актеров, безукоризненно существующих в жестких пластических и мимических рамках образов-масок, оказались направлены на обслуживание крайне незатейливых смыслов.
На третий день мы увидели шварцевского «Голого короля» в постановке самого Олега Шапошникова. А если учесть, что он же исполнил в этом спектакле главную роль... стало понятно, что самоиронии (впрочем - как и уверенности в себе) этому режиссеру не занимать. Весь спектакль построен как безумной красоты придворный ритуал - то ли шахматный турнир, то ли сложный многофигурный балет, то ли модное дефиле. Последнее, пожалуй, ближе всего к сюжету пьесы: Король пользуется модой как инструментом, который подчиняет умы, плодит единомыслие, возводит на пьедестал. Впрочем, здесь кроется и причина поражения главного героя - роль ходячего идеала и образца для подражания выматывает, отнимает слишком много сил, превращает из охотника в жертву. Во второй половине спектакля Король выглядит затравленным, остро чувствующим обман, но безвольно идущим ему навстречу. Он не способен свернуть с раз и навсегда выбранного пути.
Утром четвертого дня мы попали на «Юбилей'98» латышского режиссера Паулы Плявниеце. В основе пьесы Юстины Клявы, по которой спектакль поставлен, несложно было узнать сценарий фильма датского кинорежиссера Томаса Винтерберга «Торжество» (1998). Только все события этой вроде бы чисто скандинавской истории оказались перенесены на латвийскую почву. Казавшийся поначалу абсолютно бытовым сюжет, в котором юбилей почтенного отца семейства перерастает в серию разоблачений и обвинений, постепенно перерождается в мощную притчу о распаде огромной империи. Распаде, трагически переживаемом всеми его участниками. Стоит сказать, что в конце ноября в Латвии вручали высшую национальную премию «Ночь лицедеев», и спектакль «Юбилей'98» стал лауреатом сразу в трех номинациях - лучший спектакль, лучшая женская роль, лучшая работа драматурга.
Финальным спектаклем в Даугавпилсе стала постановка московского режиссера Георгия Суркова пьесы А. Володина «Пять вечеров». Спектакль, на фоне всего остального поразивший странным сочетанием традиционности подхода и небрежности исполнения. Все, что в пьесе Володина так тесно связано с конкретными временем и пространством, оказалось здесь очень приблизительным - начиная с переноса действия из Ленинграда в Москву (при сохранении в тексте всей ленинградской топографии) - и заканчивая какой-то невероятной стерильностью (пусть и весьма функциональной) сценического пространства. Володинская история при таком раскладе обернулась чистейшей беспримесной мелодрамой, с которой актеры даугавпилсской труппы справились на «ура». Но опять, как и в случае с «Горем от ума», взгрустнулось о размере усилий, потраченных на решение не самых сложных задач.
Финальным же аккордом поездки стало приглашение спектакля «Голый король» на фестиваль «Встречи в России», который состоится в апреле 2018 года.
Фотогалерея
