"Театральная стрелка" в Нижнем Новгороде
Выпуск №9-219/ 2019, Фестивали
ЦТМ - Центр театрального мастерства - появился в Нижнем Новгороде в 2016 году по инициативе актеров Александра Сучкова и Евгения Пыхтина. Пространство в здании бывшего Нижполиграфа стало площадкой для спектаклей частных театральных групп города. При этом ЦТМ активно выпускает собственные спектакли и реализует различные проекты, гастроли, лаборатории.
В апреле ЦТМ при поддержке Фонда президентских грантов и министерства культуры Нижегородской области собрал на своей сцене известные театральные независимые коллективы уже со всей России. Казань, Уфа, Екатеринбург, Москва, Ижевск, Краснодар, Ростов-на-Дону и Санкт-Петербург составили программу фестиваля-конкурса «Театральная Стрелка». Целый месяц здесь говорили о современном театре и экспериментах, спорили и удивлялись, знакомились и делились опытом. Особенностью фестиваля стало то, что известные профессиональные критики приезжали на фестиваль в качестве лекторов и модераторов обсуждений спектаклей со зрителем, а жюри фестиваля составили только нижегородцы, причем представляющие самые разные направления городской культурной жизни. Поэтому итоги фестиваля стали выражением мнения в том числе «продвинутых» зрителей.
Лучшим был назван спектакль «Шпаликов» театральной платформы «В Центре» из Екатеринбурга. В номинации «Лучшая мужская роль» отмечен Кирилл Ковбас за роль Ивана Дмитриевича Громова в спектакле «Номер шестой» московского театра «Room», в номинации «Лучшая женская роль» - Анна Донченко за роль Люськи в спектакле «Любовь людей» петербургского «Невидимого театра».
Однако главным итогом фестиваля можно назвать то, что он очертил творческое поле деятельности независимых театров и то, чего от них ждут зрители. Самостоятельный и активный зритель категорически не хочет быть массовым, он жаждет видеть «нечто новое», затрагивающее близкие ему проблемы, желает испытывать сильные эмоции и получать прямое общение с актером. Он готов быть модным и смотреть непонятное, обсуждать и думать, обновляться и «копаться в себе». Именно это и предоставляют публике камерные театры, используя актуальные, еще не отобранные временем тексты, мультимедийные технологии, минимальные и часто эпатажные выразительные средства, неожиданное смешение жанров и, конечно, очень близкое, эмоциональное существование актеров.
Именно такое, высокоградусное существование актерского дуэта Тамары Адамовой и Артема Самигуллина в эксцентрической комедии по пьесе И. Вырыпаева «Солнечная линия» уфимского проекта «The ТЕАТР» довело зрителей от радостного смеха узнавания до гомерического хохота над бесконечными попытками супружеской пары выяснить отношения. Режиссер Алсу Галина поместила героев в домик-остановку со скамейкой, разделенный надвое. Быстрый темп диалогов, движения половинок декорации, пластические сцены, моменты передышки - все было заполнено бешеным внутренним ритмом. И чем смешнее и абсурднее звучали слова, чем безумнее становились поведение и пластика героев, тем горше выглядело их тотальное одиночество в любви, когда каждый остается на своей половинке автобусной остановки в детском ожидании того, что никогда не придет.
Мелодрамой, которая становится трагедией, представил «Любовь людей» Д. Богославского «Невидимый театр» из Санкт-Петербурга. Режиссер Семен Серзин и художник София Матвеева сделали спектакль на приемах, заимствованных у кинематографа. Почти всегда крупный план - актеры стоят на черном фоне в прямоугольнике света, как в кадре. Драки, убийства, скандалы и смерти происходят, как и в жизни, где-то за стеной или за дверью - мы лишь слышим эти сцены. Авторские ремарки как интертитры в немом кино задают атмосферу каждому эпизоду, заставляя воображение зрителя дорисовывать картину. Очистив историю от всех бытовых деталей, создатели спектакля сфокусировали взгляд на чувствах, и убогость обыденной жизни возвели в трагедию. Режиссер оставил в спектакле только героев одного поколения - тридцатилетних, бывших одноклассников и односельчан. Каждый из них мечтал о своем собственном, незамысловатом счастье, и каждый по-своему трагичен. Кризис возраста для кого-то из них становится роковым. Деревенская красавица Люська в исполнении Анны Донченко - это Медея, сражающаяся за счастье своих детей, и инфернальная Настасья Филипповна, мучительно и страстно переживающая свои ошибки и грехи. Но в то же время она узнаваема в каждой интонации - простая женщина, медленно сходящая с ума от бесконечного домашнего насилия и беспросветной нищеты.
Еще более пристальное наблюдение за роковыми изменениями в личности происходит в моноспектакле Василия Буткевича «СОНМ» от «Мастерской Брусникина» (Москва). Это дебютная режиссерская работа художника Семена Ступина, что отразилось на его выразительных средствах. Черно-белый спектакль - живопись в реальном времени, описывающая на документальном материале историю жизни известного американского преступника, лидера хиппи-коммуны Чарльза Мэнсона. В светлом пространстве рождается некто в белом, чудесная метафора ребенка, входящего в этот мир. Но вместе с ним за спиной на видео появляется его черная ипостась, с которой приходится вести постоянный диалог. И чем больше вокруг нелюбви, разочарований, пустоты и неприкаянности, тем больше становится черной краски, покрывающей руки героя, заливающей рот, измазывающей все его существо. Единственная цветная точка - разломленный Чарли кроваво-красный гранат, символ наркотиков и безумной свободы, одурев от которых он становится абсолютно черным. Несмотря на прямолинейную черно-белую трактовку, создатели спектакля не дают однозначной оценки герою. Они постоянно балансируют между жалостью и отвращением, попыткой понять и обвинением, словно испытывая зрительный зал на прочность. Однозначное восхищение вызывает самоотверженная работа актера Василия Буткевича за глубокое погружение в художественный мир спектакля, пластическое решение образа, завораживающее звуковое сопровождение многоголосием, пением и ритмичным дыханием, напряженное и беспристрастное наблюдение за своим персонажем.
На основе документальных материалов той же эпохи, но уже в советском варианте, в екатеринбургской театральной платформе «В Центре» по пьесе Р. Ташимова режиссером Николаем Русским придуман «Шпаликов» - спектакль-коллаж, художественная попытка пережить и осмыслить эпоху оттепели через выдающуюся личность поэта и киносценариста Геннадия Шпаликова, творившую ее. Спектакль насыщен цитатами, стихами, кадрами из фильмов, «живой» музыкой, голосами-диалогами, игровыми сценами, которые не связаны в одну последовательную цепочку, а наоборот, существуют одновременно, наслаиваются друг на друга, создавая поток сознания, который то несется по мысли вперед, то буксует на каком-то обрывке мелодии или фразе. Удачная фраза «Я иду-шагаю по Москве» мучает и никак не ложится в ритм мелодии, а кадр с девочкой на качелях своим беззвучным повтором способен довести до безумия. Так режиссер при монтаже на мониторе бесконечно смотрит кадры, миксует, склеивает. Но жизнь монтировать трудно, невозможно вырезать сказанное или переснять сделанное. Ритм и атмосфера, легкие и веселые в начале, все больше замедляются и тяжелеют, от персонажей остаются лишь голоса и тени, нависают пустота и одиночество. Красивый и обаятельный актер Алексей Забегин, чем-то невозможно похожий на Шпаликова, словно физически съеживается и распадается на наших глазах, превращаясь в странную фигуру на фоне киноэкрана, в застывший крик, в скорченный вопрос. И тогда по воле поэта на экране его жизни появятся финальные титры, а потомкам останутся фильмы про хороших людей и про долгую счастливую жизнь.
Самым неожиданным и действительно экспериментальным спектаклем на фестивале стала эко-драма казанской творческой лаборатории «УГОЛ» под названием «Копеподы. Путь. Исследования». Режиссеры Родион Сабиров и Ангелина Мигранова попытались исследовать реальную проблему гибели и изменения численности черноморского планктона, используя театральные законы создания шоу. И здесь речь идет не о смешении жанров и близких видов искусства, а о попытке внедрения лекции и демонстрации научного опыта в ткань художественного произведения, поиска существования артиста на сцене вне актерской игры, ломания зрительских стереотипов и ожиданий. Конфликт театра и науки стал ключевым конфликтом спектакля, когда актер Денис Крутовских, отстаивающий честный научный подход в представлении, выгнал со сцены молодых актеров, обаятельно сыгравших в придуманных ими монологах очеловеченную историю жизни и гибели копепод (веслоногих рачков). Показ зрителям рачков в микроскопе, видео-рассказ о взятии пробы воды в Черном море, общение по скайпу с ученым-гидробиологом - все было обращено к разуму зрителя, но при этом вызывало множество полярных эмоций и увлекало зал реальным, сиюминутно рождающимся зрелищем. Финал спектакля вывел происходящее за пределы постижимого, когда на экране стали рисоваться невероятные гипотезы влияния гибели копепод на статистику разводов или родственности Татарстана и Черного моря. Жанр представления был словно разжижен, и перетекал из драмы в лекцию, затем в документальный фильм и изучение биоматериала под микроскопом, потом оказался дискуссией, застывшей на почти мистических предположениях творческой группы спектакля. Театр, выйдя за привычные границы, вернулся в них, продолжая постигать через искусство основы мироздания.
Программа фестиваля была обширна - помимо девяти спектаклей основной программы, были показаны два спектакля вне конкурса и читка пьесы, проходили образовательные встречи с критиками и открытые обсуждения. К сожалению, часть событий осталась вне моего зрительского внимания, и это единственная причина, почему они не вошли в текст статьи. Но первый успешный опыт проведения фестиваля будет проанализирован и осмыслен организаторами, и Нижний Новгород, возможно, станет местом регулярных встреч для независимых театральных групп со всей страны.
Фотогалерея
