ТЕРРИТОРИЯ АКТУАЛЬНОГО / Фестиваль-школа современного искусства «Territoriя»

Выпуск №4-224/2019, Фестивали

ТЕРРИТОРИЯ АКТУАЛЬНОГО / Фестиваль-школа современного искусства «Territoriя»

В нынешний Год театра стало очевидно, что в нашей стране много фестивалей: региональных, общероссийских и международных. Но не все из них - долгожители, не утратившие своей уникальности, не поступившиеся принципами, не устающие находиться в состоянии поиска и совершенствования. Фестиваль-школа современного искусства «Territoriя» достигла по человеческим меркам возраста переходного, четырнадцатилетнего. Именно в этом возрасте часто возникают первые серьезные проблемы, форс-мажорные обстоятельства, корректируются планы. Так, намеченная на конец сентября выездная программа в Петропавловске-Камчатском была полностью отменена по причинам, не зависящим от руководства фестиваля. Немало трудностей было и впоследствии в Москве. Но, к счастью, и зарубежные гости фестиваля, и участники образовательной программы, приехавшие со всей России, этого даже не почувствовали.

Пятидесяти участникам, отобранным из 737 человек, пославших свои анкеты, было обеспечено полное погружение в мир современного или даже вернее будет сказать: актуального искусства. Большая и сложная программа включала в себя ряд направлений, среди которых тренинги и мастер-классы, лекции и творческие встречи, выставки и спектакли.

Идея собрать на одном фестивале абсолютно разных представителей театрального дела: актеров, режиссеров, драматургов, критиков, хореографов, продюсеров, перформеров, и поместить их в одну среду обитания стало отличным решением. Особенно это проявлялось на мастер-классах и тренингах. Кто-то вспомнил свои занятия в театральном училище, кто-то на пару часов смог примерить на себя новую профессию, а кто-то (я бы сказал даже абсолютное большинство) получал удовольствие от процесса. Практические занятия в первой половине дня и следующий сразу за ним цикл интереснейших лекций заложили добротный фундамент для того, чтобы отправляясь на очередной спектакль фестиваля, совершенно четко понимать и считывать все то, что хотели сказать нам режиссер и актеры.

Цикл мастер-классов и тренингов открыл артист и кинорежиссер из Израиля Джейсон Хольт. Четырехчасовой тренинг с человеком-оркестром, исповедующим главный принцип «Art is love», был посвящен мультидисциплинарному подходу к современному театру и методам художественного выражения при работе над спектаклем. В группах по пять человек в течение получаса необходимо было придумать новую историю, на основе уже существующей. К примеру, во что могла бы трансформироваться сцена на балконе из шекспировской трагедии «Ромео и Джульетта»? Или как связаны между собой отрывок из «Кислорода» Вырыпаева и объявления в московском метро? Общая установка: открыть сознание, не думая слишком много, но стремясь в результате выработать творческую искру.

Спектакль «Сайгон» француженки Каролин Нгуен, вошедший в 2017 году в программу Авиньонского фестиваля, в этом году добрался и до России. Сага длиною в сорок лет с четко обозначенными временными рамками: 1956-1996 гг. Два места действия: Сайгон и Париж. Спектакль, состоящий из четырех глав. Приступив к работе над сбором материала для будущей истории, Каролин руководствовалась принципом: если мы хотим говорить о сегодняшнем дне, то должны говорить и сегодняшним языком. На сцене - одновременно профессиональные артисты и любители, но перед ними стоят одинаковые задачи, важнейшая из которых - трансформировать локализованный микрокосм парижско-вьетнамского ресторанчика в макрокосм человеческого бытия второй половины минувшего столетия.

Актуальный театр всегда должен способствовать тому, чтобы зрители и профессионалы получили новый опыт, приходя на тот или иной спектакль. Когда дети выходят на сцену наравне с взрослыми - это уже не воспринимается нами как нечто неожиданное. А вот когда перед детьми и подростками стоит задача рассказать страшную историю, например о маньяке-детоубийце, это может стать настоящим испытанием, исследованием норм и границ допустимого на сцене. В спектакле «Пять легких пьес» швейцарского режиссера Мило Рау и театральной компании «Международный институт политического убийства» исполнители главных ролей - подростки.

Сначала каждый из них беседует с интервьюером - руководителем театральной студии. Вопросы вполне предсказуемы и безобидны: кем ты хочешь стать? Есть ли у тебя домашние животные? Что для тебя театр? Так, через ответы персонажей, мы постепенно настраиваемся на дальнейшее действие. Одним из финальных вопросов-предложений, предшествующих основной сюжетной линии, станет заданная одной из участниц ситуация: представь, что ты - мать, чей ребенок умер, и скажи, что ты чувствуешь.

Тема смерти для европейского театра одна из ключевых. Она, пожалуй, уже давно никого не шокирует и даже не выводит из зоны комфорта. Подростки вспоминают о том, как сами беспощадно расправлялись с братьями нашими меньшими, то оставив рыб без фильтра для воды, то разворошив муравейник, запустив туда осу. На фоне этих относительно безобидных страшилок, рассказывается в форме театра в театре история бельгийского маньяка Марка Дютру. Кому-то предлагают примерить роль родителей одной из девочек-жертв, а кто-то спрашивает совет, как изобразить мертвеца. Разговор о смерти, внезапной и происходящей по вине других, заканчивается рефлексией подростков по поводу случившегося и ответа на финальный вопрос: как и кто хотел бы умереть?

Еще одним спектаклем, в котором детям была отведена роль не менее важная, чем взрослым, стала «Медея» Саймона Стуона. Режиссер с хирургической точностью в стерильно белом пространстве большой сцены сращивает известную античную трагедию о страстной и волевой царице с реальной историей из жизни американского врача Деборы Грин. Главная героиня, не сумевшая справиться с предательством собственного мужа, хладнокровно расправляется и с ребенком в чреве его любовницы, и с их собственными детьми. В какой-то момент белоснежное сценическое пространство начинает постепенно заваливать поток пепла. Получившаяся в результате горка черного цвета - это одновременно и остатки сгоревшего дома и земля, которой современная Медея покрывает их с детьми головы.

В рамках XIV Территории состоялась российская премьера оперы «Октавия. Трепанация», которую режиссер «Электротеатра Станиславский» Борис Юхананов явил миру двумя годами ранее в рамках основной программы Holland Festival. Опера - трепанация, операция, инсталляция. Удивительным образом совместное детище режиссера и композитора Дмитрия Курляндского, представляет собой яркий пример театра, который, с одной стороны, ищет что-то новое, а с другой - встречается с древностью. Темп революционной песни «Варшавянка» начала прошлого века при помощи современных технологий века нынешнего, уменьшен в сто раз. Не только режиссер и исполнители на сцене, но и композитор в музыке стремятся изобразить операцию.

Визит в «Электротеатр Станиславский» на постановку, подобную «Октавии. Трепанации», заставляет обладать очень высоким уровнем рацио или постигать транслируемое, полагаясь только на эмоцио. Понимаю, что, несомненно, хотел бы в следующем году пережить эти же эмоции еще раз. Вновь во время исполнения арий призрака Агриппины и Октавии почувствовать невесомость в теле, отпустить себя и быть полностью подчиненным звучащим голосам. Восхититься исполнительским мастерством Сенеки - Алексея Коханова. Побеспокоиться за 20 волонтеров - армию терракотовых воинов, отметить драматический талант Троцкого - Юрия Дуванова. Напевать на вдохе несколько дней подряд сочиняемые самим собой арии и мечтать еще раз услышать хоть что-то в оригинальном исполнении. А вновь взглянув на разворот программы к спектаклю, вспомнить трепанируемую голову Ленина, которая занимает большую часть пространства сцены. Этот спектакль для тех, кто ищет новых ощущений в театре и уже думает, что видел все.

Театр должен стремиться фиксировать время. Думать не только о проблемах далеких предков, но и своих современников. На базе ЦИМа артисты «Июльансамбль» с режиссерами Романом Феодори и Александром Андрияшкиным решили пригласить нас поговорить о поколении миллениалов. К ним относят людей, родившихся в период с конца восьмидесятых годов прошлого века и до начала 2000 года. Актеры, занятые в спектакле «Питер Пэн. Фантомные вибрации», сами внешне ничуть не отличаются от тех, кого мы привыкли немного свысока именовать подростками или тинейджерами. Один из них, встречающий публику в фойе и задающий вопросы о наличии в семье братьев-сестер, предлагает затем всем разделиться на группы от 1 до 9 лет, получив новый возраст, сложив первую и вторую цифру возраста действующего. Это причисление к четырехлетним или девятилетним - часть большой игры, разделенной на несколько больших раундов. В первом блоке спектакля каждый сам решает, по какому маршруту ему предстоит пройти. Можно начать с героя, который показывает комиксы, или подойти к девчонке, гадающей по книге в руке. Парень, стоящий на одном из помостов, постепенно обрастает большим количеством пакетов для мусора, который может повязать любой, пользующийся ими в быту. Если же вы соскучились по маме и вам не хватает ее напутствий, напишите заветное послание на цветной бумаге, а милая девушка его зачитает. В следующем блоке вы столкнетесь с проявлениями подростковой агрессии: можете получить подушкой по голове, вас обернут скотчем или предложат присоединиться к митингу против взрослой жизни. После этого каждой возрастной группе выдадут по одному перформеру, который будет готов выслушать размышления каждого о театре. Несмотря на увлекательное и совершенно непредсказуемое развитие сюжета, финала в спектакле нет. Исполнители внезапно покидают зрительный зал, оставив лишь одного из своих миллениалов-соплеменников, рассказывающего как и в самом начале понятные в большинстве случаев лишь ему анекдоты и шутки.

Фестиваль завершился, убедив в очередной раз в мысли, что актуальный театр и современное искусство не имеют никакой привязки к городам и странам, режиссерам и театрам. Есть одно общее для всех, таких разных и непохожих - Territoriя.

 

Фото предоставлены автором

Фотогалерея