Будущее есть/XI Международный фестиваль «Встречи в России»

Выпуск № 10-120/2009, Фестивали

Международный фестиваль театров стран СНГ и Балтии «Встречи в России», проходящий каждую весну в Санкт-Петербурге, – значительное событие культурной жизни России, яркий театральный праздник на Неве.

С каждым годом расширяется его география, и вот уже на афише XI фестиваля — новые русские театры из Балтии и из дальнего зарубежья.

К сожалению, мне не удалось посмотреть все спектакли фестиваля (они шли в одно и то же время на разных площадках). Но увиденное позволяет сделать вывод: у русских театров есть будущее.

На этом фестивале лидировала русская классика, и это замечательно - русская классика всегда была школой актерского и режиссерского мастерства.

К «Чайке» А.Чехова, одной из самых загадочных и таинственных пьес мировой драматургии, обратились два театра.

Разное время предполагает разные трактовки, разные художественные решения Чехова. Кроме откровенной грубости и пошлости. К сожалению, именно это мы увидели в постановке Александра Шаровского в Азербайджанском русском драматическом театре им. Самеда Вургуна. Спектакль бакинцев вызывает много вопросов, критических замечаний.

Прежде всего трудно определить жанр. Пытаясь создать атмосферу декаданса, режиссер применяет кабаретный ход в соединении с цирковыми трюками. С самого начала появляются три персонажа из «Мастера и Маргариты» М.Булгакова, которые потом становятся горничной, рабочим Яковом и поваром. В центре спектакля Дорн — Фуад Поладов, который, как кукловод, а скорее, как Воланд, дергает за ниточки всех действующих лиц.

Совершенно непонятны костюмы героев — все они в дорогих вечерних платьях, на высоких каблуках. Маша — Наталья Пышкина похожа на голую птицу в черном длинном платье с разрезами; Аркадина — Наталья Шаровская - в роскошном блестящем эстрадном костюме; Полина Андреевна — Наталья Балиева - какой-то вульгарный панк, в последнем действии она умудряется раздеть Машу и Треплева и уложить их в постель. Все это лишает актеров органики, превращая в гламурные маски. Даже такой замечательный актер как Фуад Поладов становится пустым и однообразным.

Финал спектакля оригинален и трогателен — после выстрела выдвигается ротонда, бывшая театром Треплева, и в ней лежат, как Ромео и Джульетта, прижавшись друг к другу, мертвые Костя и Нина.

Безусловно, в театре хорошая труппа, есть способные актеры, но стремление режиссера завлечь публику гламурным решением, обеднило спектакль, который получился вульгарным, лишенным внутренней гармонии и настроения.

Днепропетровский молодежный театр «Верим!», родившийся из студии и ставший с 2004 года профессиональным муниципальным театром, впервые приехал на фестиваль «Встречи в России», но сразу завоевал любовь зрителей и вызвал интерес критики к своей «Чайке».

Режиссер Владимир Петренко поставил на удивление простой, лаконичный, сдержанный, умный и в полном смысле режиссерский спектакль. Он выстроил крепкую конструкцию, в которой актерам комфортно. Режиссер не умирает в актерах, а живет в них, и это создает прекрасный актерский ансамбль, особую, по-хорошему сентиментальную атмосферу.

Удивительно точно работает стильное оформление Марии Ткаченко — вертящаяся карусель с детскими лошадками, она же театр Треплева. В спектакль введен новый персонаж — тапер, Человек от театра. Играя, он порой вступает в разговор и шутя напоминает нам, что Чехов написал комедию. Во втором действии он уходит со сцены, давая понять, что начинается трагедия.

Здесь все одиноки, но самый одинокий Треплев. Молодой актер Тарас Шевченко сыграл драму времени и драму одиночества. Поначалу перед нами совсем ребенок, порывистый, резкий, отличающийся подростковым максимализмом. Во втором действии Треплев меланхоличен, в душе у него «холодно, холодно, пусто, пусто...». Он уже мертв и оживляется только при появлении Нины.

Нина — Надежда Петренко несет в себе любовь к жизни, утверждающую энергию. Ее не очень изменила жизнь — она осталась почти такой же восторженной и трепетной. Слом Нины происходит только, когда она, придя к Треплеву, понимает, что здесь Тригорин.

Тригорин — Игорь Шульга элегантен, сдержан, серьезен и прост. Он играет восхитительную пустоту и глухую досаду на самого себя, на непонимание других. Он душевно устал, но актер все время несет живую мысль, особенно в монологе о труде, об искусстве, о своей жизни. Монолог на две страницы чеховского текста (самый длинный из всех в чеховских произведениях) слушается с неослабевающим вниманием.

Аркадина у Виктории Черновой — истинно провинциальная актриса, вульгарноватая, крикливая, эгоистичная, внутренне жесткая, натура страстная, переживающая драму любви стареющей женщины и один из самых больших романов своей жизни.

Спектакль театра «Верим!» живой, обаятельный, по-настоящему чеховский.

Молодежный театр из Ташкента, отметивший в прошлом сезоне свое 80-летие, — постоянный и любимый участник фестиваля. На этот раз режиссер Наби Абдурахманов, оставаясь философом и романтиком, обратился к «Месяцу в деревне» И.С.Тургенева, поставив спектакль «Честные люди».

«Этот спектакль — посвящение, преклонение перед интеллигенцией, перед ее умением всегда держать высочайший уровень требовательности к себе...», — говорит режиссер.

Проявляя, как всегда, любовь и уважение к классике, он соединяет условность и реализм. Действие происходит в черном пространстве, которое огорожено барьером и напоминает музейную экспозицию, где в начале действия вешают большие портреты молодого Тургенева. Вместе с приятной музыкой и элегантными костюмами это сразу создает поэтическую тургеневскую атмосферу.

Спектакль по существу премьерный, еще несколько сыроватый, но тем не менее позволяет судить о ряде прекрасных актерских работ, и прежде всего о созданном Вассой Васильевой (она же — автор костюмов) образе Натальи Петровны. Она является смыслом и эмоциональным центром спектакля.

Ей скучно жить со своим вечно занятым мужем (Альберт Халмурзаев), вечно философствующим, болтливым Ракитиным (Анвар Картаев).Она никогда не знала настоящей любви и потеряла надежду ее познать. И молодой Беляев — Хасан Салихов врывается в ее жизнь, внося с собой ту самую страсть, которой ей не хватало и которая сжигает ее изнутри. Она не вольна в своих поступках и не может справиться с охватившим ее чувством.

Как тонко, изящно и тихо пытается Наталья Петровна объяснить все это Беляеву. Он наивен, чист, внутренне свободен. Обаяние молодости в нем соединяется с некоторой угловатостью, говорящей о какой-то другой жизни. Когда на Беляева обрушивается любовь двух женщин, он растерян, испуган. Актер нигде не переигрывает, не жмет.

Очень интересен Аркадий Ислаев в исполнении Альберта Халмурзаева. Обычно муж Натальи Петровны - роль проходная, малозаметная. В этом спектакле Ислаев Халмурзаева — яркая, сочная актерская работа. Он очень любит свою жену и своего друга Ракитина, тоже переживает внутреннюю драму.

Русский театр Эстонии — театр из Таллина, которому в этом сезоне исполнилось 60 лет, показал «Дон Жуана» Мольера в постановке Михаила Бычкова.

Александр Ивашкевич играет Дон Жуана не блистательным обольститетелем, а усталым, опустошенным человеком. И если в начале он еще по инерции впутывается в любовные приключения, то по ходу действия становится все грустнее, раздавленный своим неверием ни во что.

Только совершенно непонятно, почему важнейший и очень современно звучащий монолог о лицемерии этот Дон Жуан произносит, замотанный с головы до пят в какую-то красную тряпку — ведь это его последний вызов, брошенный миру.

Режиссер обеднил образ Сганареля (Эдуард Томан), превратив его в бездейственного созерцателя, не использовав большие комедийные возможности очень хорошего актера. В этом спектакле есть ряд интересных находок, но жанр его не понятен, ритмы размыты, наличествует несколько финалов, и, главное, не читается мысль режиссера.

На афише нынешнего фестиваля впервые - несколько негосударственных коллективов, не имеющих никаких дотаций и существующих на собственные средства.

Среди таких частных театров — Минский театр современной драматургии «Театральный ковчег» под руководством выпускника Новосибирского театрального училища Евгения Волобоева, показавший «Загадочные вариации» Эммануила Шмитта.

В этой действительно загадочной пьесе популярного во всем мире автора есть психологически подробные характеры и элементы лихо закрученного детектива.

Пьеса балансирует на грани быта и мистики, психологической выверенности и непредсказуемости, в ней прослеживается судьба двух одинаково по-своему интересных людей, влюбленных в одну женщину.

Нобелевский лауреат, писатель Абель Знорко 15 лет назад бежал от своей любви, чтобы, как он считает, ее сохранить, и поселился на далеком уединенном острове в Норвежском море. Все эти годы он пишет письма своей возлюбленной Элен Меттернах и получает от нее ответы, полные любви и тревоги за него.

Абель Знорко — отличная работа Игоря Сидорчика. Высокомерный эстет, с пронзительным умным взглядом, с юмором, постепенно узнавая правду о том, что его любимая женщина давно умерла и уже 10 лет ему писал ее муж, превращается в старого, больного, сломленного человека, которому становится незачем жить.

Эрик Ларсен — Валерий Кащеев, выдав себя за журналиста, с трудом проник на этот остров, чтобы увидеть человека, которого всю жизнь любила его жена. Он — достойный собеседник писателя, иногда, правда, ведет себя излишне крикливо. Перед нами страстный диалог двух мужчин, актеры живут на сцене на грани исповеди и игры. Идет игра двоих, один знает тайну, другой — нет. Оба актера существуют органично, удерживая мелодраматический сюжет от пафоса и слезливости, создав хороший интеллигентный спектакль о любви.

Неожиданным стал приезд театров из Германии и Центральной Америки.

Театр «Русская сцена», основанный три года назад, — новое явление в культурной жизни Берлина. Мы увидели пьесу Джорджа Байрона «Каин», названную им мистерией. Так в средние века именовались произведения, основанные на библейской мифологии.

Байрон действительно использовал предание, рассказанное в Ветхом Завете, но в своей поэтической драме опровергает библейские оценки действий Каина, из-за которых тот был в сознании людей на протяжении многих столетий воплощением вероломства и зла.

В спектакле, поставленном Инной Соколовой-Гордон, много интересных находок, хорошо решено сценическое пространство. Пожалуй, можно отметить некоторую разностильность в игре актеров (Каин — Андре Мошой — натура независимая, мятущаяся, Люцифера замечательно играет Вадим Граковский), ненужные детали, но в целом можно только поздравить актеров и режиссера за проявленное мужество в освоении труднейшего драматургического материала.

Экзотическим гостем фестиваля стал русский театр из Центральной Америки «Балаган-Арт» (Коста-Рика, г.Сан-Хосе), основанный в 1997 году нашими соотечественниками Дмитрием Орданским и его женой Мартой Хржановской-Рэйн.

В Коста-Рике никогда до этого не существовало репертуарного театра и даже понятия о нем. Там всегда господствовали площадная драматургия, оперетта и скетч.

За годы существования «Балагана-Арт», в котором идут драматические, кукольные и музыкальные спектакли, театр побывал во многих городах Коста-Рики и на многих международных фестивалях в странах Латинской Америки.

«Моцарт и Сальери» А.С.Пушкина поставил Дмитрий Орданский, он же сыграл Сальери, а Марта Хржановская - Моцарта. По мнению режиссера, его решение вполне закономерно — это противопоставление брутальной личности Сальери женственности и легкомыслию Моцарта. В спектакле очень тактично сыграна сцена отравления Моцарта. Он сидит лицом к зрительному залу, не видя, что Сальери всыпает в бокал яд, но чувствуя, что будет отравлен. Когда же Моцарт подходит к роялю и начинает играть «Реквием», Сальери, сидя рядом в кресле, начинает плакать.

Великолепная музыка Моцарта и Сальери сопровождает спектакль, ее исполняют на рояле сами актеры. Замечательно сделан переход от живой музыки к прекрасно записанной фонограмме.

Правда, не очень понятен финал, когда Моцарт оживает и Сальери в раскаянии бросается на колени перед ним. Можно лишь предположить, что это сон Сальери.

Думается, что театр «Балаган-Арт» выполняет важную миссию, приобщая далекую Коста-Рику к русской культуре.

Заметным явлением на фестивале стал совместный проект Русского драматического театра из Вильнюса, Театра-Фестиваля «Балтийский дом» и «Аудронис Люга продакшн» (Литва).

Режиссер Йонас Вайткус поставил спектакль по пьесе Давида Харроуэра «Дрозд черный», стоящей в ряду «новой драмы» и вызывающей много вопросов, разночтений, недоразумений.

С одной стороны, она являет собой парафраз «Лолиты» Набокова, с другой претендует быть пьесой о любви — о любви двенадцатилетней девочки (Дарья Степанова) к сорокалетнему мужчине (Владас Багдонас), которая покалечила ее жизнь и сломала его судьбу.

Весь спектакль — это диалог двоих спустя десять лет. В эмоциях, недосказанности проявляется скорее не любовь, во всяком случае с его стороны, а притяжение тела. Актриса играет чувственное тяготение, актер — испуг и борьбу с плотью, попытку доказать, что он может справиться с собой.

Не все получилось в постановке этой странноватой и страшноватой пьесы, быть может, из-за того, что очень коротким был репетиционный период, быть может, неудачно было выбрано сценическое пространство, растянутое по диагонали и опущенное в яму перед зрительным залом. А возможно Йонас Вайткус проявил излишнюю интеллигентность и корректность, поэтому ушла острота, жесткость и эротичность во взаимоотношениях героев, живая бьющаяся мысль превратилась в монотонность. И тем не менее интерес у публики этот необычный спектакль вызвал.

Ежегодно в рамках фестиваля «Встречи в России» осуществляются совместные международные проекты с участием актеров из стран СНГ и Балтии. На этот раз к 200-летию со дня рождения Н.В.Гоголя петербургский режиссер и педагог Игорь Качаев поставил «Пластические вариации по Гоголю», в которых приняли участие молодые актеры из Узбекистана, Украины, Литвы, Латвии, Белоруссии и России. В течение 10 дней они занимались пластикой и языком тела пытались выразить основные идеи, заложенные в «Петербургских повестях».

Во время фестиваля проходили мастер-классы педагогов СПГАТИ по сценической речи и вокалу, а также Международная конференция «Новые русскоязычные театры ближнего зарубежья». На ней выступили художественный руководитель Днепропетровского молодежного театра «Верим!» Владимир Петренко, Нового Русского театра из Риги Олег Шапошников, Московского армянского русского театра Слава Степанян, театральные критики Борис Тух, Этери Кикелидзе. Они рассказали о создании новых русских театральных коллективов, о проблеме русской речи на сценах русских театров зарубежья, о проблемах традиции и новаторства в молодежных театрах, о значении русских театров за рубежом как очагов русской культуры и русского языка.

XI Международный театральный фестиваль «Встречи в России», объединяющий наших соотечественников, оказавшихся волею судьбы за пределами России, снова доказал необыкновенную важность его проведения, его популярность, с каждым годом все возрастающий его престиж и самое главное - что театральное пространство не имеет границ.

Фото предоставлены фестивалем "Балтийский дом"

Фотогалерея