Палитра поисков / XVII Международный фестиваль русских театров национальных республик России и зарубежных стран «Мост дружбы» (Йошкар-Ола)

Выпуск №6-236/2021, Фестивали

Республика Марий Эл в прошедшем году отпраздновала свой вековой юбилей. Увы, пандемия перечеркнула многие планы. Однако, намеченные на 2020 год театральные фестивали состоялись в течение сентября - декабря. Среди них и традиционный, возобновленный в 2008 году «Мост дружбы», начало которому положил Георгий Константинов, несколько десятилетий возглавлявший Русский театр республики, который носит сейчас его имя. Фестиваль был задуман в свое время как инструмент сохранения русских театров в национальных республиках России, СНГ, за рубежом.

Несмотря на запреты и ограничения, фестиваль включал в себя 12 спектаклей из 9 республик - Марий Эл, Татарстан, Башкортостан, Чувашия, Карелия, Удмуртия, Саха (Якутия), Дагестан и Адыгея. Четыре спектакля из республик Карелия, Удмуртия, Башкирия, Якутия прошли в режиме онлайн. Но малый зал, где шли трансляции, был полон (то есть аншлаг, предусмотренный рассадкой с соблюдением социальной дистанции). Прибыли только представители или руководство театров-участников фестиваля. Адыгея в последний момент заменила спектакль из-за болезни актеров, а вместо спектакля «Старший сын» из Чечни (Государственный русский драмтеатр имени М.Ю. Лермонтова) приехал театр из Костромы со спектаклем «Дорогая Елена Сергеевна».

Афиша была разнообразной - Пушкин, Гоголь, Толстой, Горький, советские драматурги и писатели - Мустай Карим, А. Володин, Л. Зорин, Л. Разумовская, Зоя Чернышёва, В. Сигарев, популярные западные драматурги У. Гибсон, А. Митчелл. Учитывая непростую ситуацию в театральном мире, проблемы с гастрольно-фестивальными поездками Академический русский драматический театр имени Г. Константинова представил три свои работы, выпущенные сразу после снятия карантина, продемонстрировав и возможности сильной, профессиональной труппы, и самобытный почерк «наследника по прямой», сына Георгия Константинова Владислава Георгиевича, одного из самых заметных и оригинальных режиссеров, художественного руководителя русского театра Йошкар-Олы.

Пьеса А. Митчелла «Бабье лето» («Девичник-клаб», «Девичник над вечным покоем», оригинальное название - «Кладбищенский клуб» и другие названия) пользуется популярностью в российских театрах. Только в Москве за короткое время она была поставлена и шла с успехом в трех театрах. Вполне объяснимая ситуация - три хорошие роли для возрастных актрис, еще одна роль небольшая, но яркая, и интересный мужской характер тоже для немолодого актера. Много юмора, интрига, которая держит в напряжении, узнаваемые ситуации... Мелодраматические нотки и житейские понятные ситуации.

Конечно, поведение и менталитет американских и русских вдов отличаются, но важно, что речь идет об одиночестве еще полных жизни женщин, об их надеждах и разочарованиях. Константинов умеет выстроить неожиданные мизансцены, заинтриговать зрителя, но он прекрасно владеет и искусством растворяться в актере. А именно актерский театр сегодня привлекает - сердечностью, возможностью сопереживания, да и наслаждение актерским мастерством является одним из самых завлекательных манков в театре.

Роли исполняют ведущие актрисы театра, спектакль дает простор для игры, для подчеркивания нюансов поведения, для тонких и глубоких реакций. Очень разные, внешне и внутренне, по манере поведения, актрисы создают, в конечном итоге, коллективный портрет одинокой женщины. Самая яркая и «громкая» - неугомонная Люсиль в сочном эффектном исполнении заслуженной артистки Республики Калмыкия Людмилы Мансуровой. Она принимает соблазнительные позы, говорит на повышенных тонах, все время привлекает к себе внимание. При этом по-детски переживает, когда ее невинные обманы мгновенно раскрываются. Она костерит своего мужа-изменника и увлеченно рассказывает о мужчинах, не дающих ей прохода. Люсиль Мансуровой полна жизни и энергии, и все, связанное с ней - немного чересчур. Дорис в исполнении заслуженной артистки Республики Марий Эл Евгении Москаленко суха, ее скепсис и насмешки уравновешивают «буйную» Люсиль. Но по-настоящему Дорис раскрывается после поездки на свадьбу их общей подруги. Слегка выпив, она словно сбрасывает с себя оковы сдержанной «постной» вдовы и предстает в образе смешной озорницы, в которой много девичьего, веселого, трогательного. Именно Дорис по-настоящему глубоко тоскует по своему умершему мужу, и эта женская верность заставляет зрительниц ответить ей искренним сочувствием.

Ида Юлии Охотниковой самая женственная и сердечная. Она убедительна в своей печали и ее жизнелюбие - это разумное, очень человечное отношение к ситуации. Искренняя симпатия к бывшему приятелю Сэму убеждает в том, что смерть мужа - не конец жизни, а начало нового этапа существования зрелой женщины. Отчаянье Иды, увидевшей рядом с Сэмом другую, по-человечески понятно, но она не позволяет эмоциям взять вверх, остается приветливой, хоть и понятна ее боль. Сэм Дамира Сафиуллина - симпатичный трогательный увалень, вконец запутавшийся в непростой ситуации. Но в последних сценах с Идой в нем столько тепла и любви, что зрелое чувство героев вызывает уважение и радость за них. Мартина Сазонова уверено и точно ведет партию кокетки и капризницы Милдред.

Неожиданным и очень трогательным становится финальное преображение Люсиль. Мансурова, сбросив маску, предстает женщиной одинокой, разочарованной, но не сломленной, становится понятно, что сердце у нее доброе, а чувства неподдельные. Художник Павел Корниенко создает нейтральную среду: серые надгробные камни, желтая опавшая листва. Это позволяет сосредоточиться на характерах и переживаниях героинь. В спектакле режиссер не нагружает простой сюжет режиссерскими откровениями, сосредоточен на раскрытии характеров, на развитии отношений героинь - и выигрывает в убедительности и точности.

Вторая работа хозяев фестиваля - «Сотворившая чудо». В основе пьесы У. Гибсона - реальная история удивительной женщины, слепоглухонемой Хеллен Келлер, получившей образование, написавшей книги, ставшей политическим и общественным деятелем. В пьесе и в спектакле показан важнейший момент - превращение капризного «зверька», подростка Элен (Наталья Ложкина) в мыслящего человека. Борьба учительницы Анни Сюлливэн и агрессивного ребенка - это постепенное рождение человека, вырывающегося из темноты и беззвучия. Роль учительницы исполняет Людмила Мансурова. Куда девались игривость, безалаберность, расхлябанность, беспардонность ее вдовы Люсиль из «Бабьего лета»! Перед нами совсем другой человек. Некрасивая, угловатая, начисто лишенная женственности и кокетства, она поражает стойкостью, сосредоточенностью, сдержанностью на грани отчаянья, потому что контакт со строптивой девочкой никак не удается установить. Мансурова передает бесконечное упорство и тонкую душевную организацию своей героини, ее чуткость.

Наталья Ложкина играет девочку Элен виртуозно, передавая все оттенки трагической замкнутости этого существа в собственном неподвластном ей теле. Маленький звереныш, хитрый, вредный, злой от отчаянья, беспомощности и страха. Блестяще выстроен пластический рисунок роли. В этом спектакле режиссеры-постановщики Софья Гонзиркова (она же и художник-постановщик) и Владислав Костантинов снова как бы прячутся за актеров, но именно «как бы», потому что рисунок мизансцен строго продуман, жесты и интонации отобраны, кульминация и катарсис создают каркас этой постановки, заставляя сопереживать, сострадать, плакать и восхищаться. Тонкая, продуманная, зрелая и такая нужная работа в современном жестоком и порой бесчеловечном мире.

Третьим спектаклем Русского драмтеатра из Йошкар-Олы стала очаровательная, многоцветная, музыкальная сказочная комедия по повести Н.В. Гоголя «Ночь перед Рождеством» из цикла «Вечера на хуторе близ Диканьки» (так и называется спектакль). Это работа актера и режиссера театра Ивана Немцева, в которой порой намерений больше, чем четко выстроенного действия, но, главное, создана праздничная атмосфера бесшабашного веселья и приближающегося праздника.

Большую роль в создании особого сказочного мира сыграл художник Борис Голодницкий, автор сценографии и костюмов. Сегодня, когда из театров уходит красота, серое пространство, сукна, случайная мебель стали трюизмом. А тут - сверкающий снег, крошечные домики со светящимися оконцами, пестрые задники, позволяющие увидеть воочию украинскую хату, неожиданно возникающая парадная анфилада царских покоев, откуда появляется ослепительная царица - как хороша Юлия Охотникова в напудренном парике и царском наряде с фижмами.

Прелестна молодая красивая Оксана в исполнении Аллы Новоселовой, зажигательно отплясывающая вместе со своими подругами, колоритен глуповатый Голова Юрия Синьковского, убедителен Вакула Ярослава Ефремова, хороша лихая Солоха Евгении  Москаленко. Хорош и Черт Дмитрия Воронцова - озорник, проказник и все-таки - нечистая сила. Жаль, что его роль не разработана, не «прописана» более подробно.

В спектакле придирчивый взор заметит многие погрешности, но есть главное - свежее восприятие гоголевского текста, сценический задор, неожиданные актерские приспособления, бешеная энергетика.

Русский драматический театр «Мастеровые» (Набережные Челны, Татарстан) привез «Варшавскую мелодию» Л. Зорина, поставленную известным режиссером Денисом Хуснияровым. Сюжет пьесы тесно привязан к своему времени: постановление 1947 года о запрете браков советских людей с иностранцами ломает планы и жизнь молодых влюбленных - польки Гели и русского парня Виктора, вернувшегося с Великой Отечественной. На самом деле, это история вечна, потому что рассказывает о невозможности любящих переступить через обстоятельства, запреты, идеологические препоны. Меняются исторические и политические декорации, но коллизии остаются.

Денис Хуснияров ищет свой путь в решении пьесы. На сцене не два действующих лица, а четыре. Две Гели - Анна Дунаева и Александра Олвина, два Виктора - Алексей Ухов, Владимир Губанов. Две пары - одна совсем молодая, бесшабашная, трогательная, ослепленная молодостью и счастьем. Вторая - зрелая, прошедшая через испытания, разочарования, предательство. И молодая, и взрослая пары время от времени повторяют слова друг друга. Те Геля и Виктор из далекого 1947 года живут в этих умудренных, многого добившихся и многое потерявших людях. На сцене существует своеобразная система «зеркал» - герои отражаются друг в друге, что придает пьесе, поставленной в театре «Мастеровые», новый объем, рождает неожиданные смыслы.

Художник спектакля Елена Сорочайкина помещает на сцене грозного, в два человеческих роста красно-ржавого монстра - трубу огромного диаметра, расположенную вдоль рампы и оставляющую совсем небольшую игровую площадку на авансцене. Металлические лесенки позволяют актерам забраться наверх, на площадку - и так, из глубины прошлого общаться с собой сегодняшними. Конструкция дает простор для толкований: безжалостный каток времени, образ страшного, античеловеческого мира. И снова кинопроекции, которые в данном случае мало что добавляют к этой прекрасной пьесе Зорина.

Государственный русский драматический театр из Чебоксар (Чувашия) привез спектакль по пьесе А. Володина «Пять вечеров». Никогда не покидавшая российских театральных подмостков, эта пьеса сегодня пользуется особой популярностью. Режиссер из Санкт-Петербурга Игорь Лебедев определил жанр спектакля как «Путешествие в Ленинград». Спектакль получился внятный, убедительный. Тамара - Юлия Дедина и Ильин - Александр Смышляев искренне и честно рассказывают пронзительную историю любви и разлуки. Пьеса предлагает актерам блестящий материал для раскрытия сложных характеров, показа тонких переплетений человеческих судеб. Увы, сегодняшние, вполне разумные и интересно мыслящие режиссеры или боятся банальности, или хотят получить все и сразу, поэтому стремятся быть оригинальными во что бы то ни стало. Но невнятный якобы «оживляж» лишь раздражает и отвлекает от главного. Все это относится к неожиданному появлению в спектакле «Пять вечеров» не предусмотренных автором персонажей. На обшарпанной серо-голубой стене с пустыми оконными проемами время от времени появляются кадры, на которых двое - их роли исполняют Людмила Казимир и Сергей Иовлев. Они довольно долго и не очень интересно рассказывают о своем впечатлении о Ленинграде, Петербурге. Вернее, говорят от имени вымышленных, а, может, и реальных героев, которые приехали в город на Неве поступать в театральный, жили по-студенчески бедно. Не связанные с действием, мало интересные, а порой и просто косноязычные тексты, отвлекают и раздражают. Зато у режиссера полное ощущение, что он нашел оригинальный ход (в противном случае данная «вставка» в текст Володина не появилась бы в спектакле).

К сожалению, не смог приехать на фестиваль Государственный русский драматический театр имени М.Ю. Лермонтова из Грозного (Республика Чечня) со спектаклем «Старший сын» по А. Вампилову. Выручил давний друг Русского марийского театра художник и театральный деятель Борис Голодницкий, создатель и руководитель Костромского камерного драматического театра. На фестиваль привезли спектакль по пьесе Л. Разумовской «Дорогая Елена Сергеевна», поставленный Станиславом Голодницким. Жанр определен как «спектакль-шок». Станислав Голодницкий максимально обострил конфликт пьесы. Он сделал героев жестче, злее, показав, как страшно, когда появляется некто, готовый манипулировать тобой. В этом спектакле важен не конфликт прекраснодушной учительницы с молодыми ребятами, выпускниками. Елена Сергеевна словно отходит на второй план. Главное - это закон стаи, надменность вожака-манипулятора. Спектакль, действительно, становится шоком, по-новому раскрывая коллизии, заложенные в пьесе. Борис Голодницкий, художник спектакля, выстраивает на сцене своеобразный ринг: замкнутое огороженное пространство, где будет стремительно и пугающе развиваться действие.

Голодницкий - талантливый и очень разный художник, стал художником-постановщиком и спектакля «Записки сумасшедшего» Государственного республиканского русского драматического театра имени М. Горького из Махачкалы (Дагестан). Образ ринга, замкнутого пространства, которое на сцене становится образом жизненной безысходности, точно ложится на сюжет повести Гоголя. В спектакле, поставленном Скандербеком Тулпаровым, много оригинальных находок, выразительных мизансцен, неожиданных сопоставлений, которые превращают происходящее не просто в монолог постепенно сходящего с ума Поприщина, но в захватывающее зрелище. Главное достоинство спектакля - виртуозное исполнение роли народным артистом Республики Дагестан Имамом Акаудиновым. Тонкий, нервный, предельно органичный и вместе с тем невероятно театрально выразительный, он захватывает внимание, руководит зрительскими эмоциями, на глазах превращаясь в несчастнейшего человека. Этот Поприщин не теряет разум, он просто погружается в себя, становится наивным играющим ребенком, которого раздавил жестокий и враждебный мир...

Русский драматический театр Республики Адыгея имени А.С. Пушкина в последний момент вынужден был привезти спектакль, поставленный к юбилею Победы по пьесе Зои Чернышёвой «Романс для двух голосов». Некогда популярную писательницу и журналистку сегодня мало кто помнит. Ее произведения наивны, хоть их и отличает живое чувство, они покоряют знанием реальной войны.

Режиссер-постановщик Анзаур Схатум предельно романтизировал историю о милой Юле, фотографе фронтовой газеты (Оксана Светлова), и ее старшем товарище Вадиме, корреспонденте этой же газеты (Олег Ковалев). Много пройдено вместе, но каждый из них страшится признаться другому в своих чувствах. Эта простая бытовая зарисовка становится настоящим поэтическим романсом, потому что на сцене появляется еще одна пара, обозначенная в программке «Души». Оксана Нуреева и Максим Сапич исполняют хореографические миниатюры, наполняя действие поэзией и нежностью.

Увы, специфика нынешних фестивалей эпохи пандемии - это просмотр части спектаклей в режиме онлайн. Таких спектаклей на этом фестивале было четыре. «Васса» Театра драмы Республики Карелия была выпущена в 2017 году, с успехом объездила многие фестивали. Творческая группа - режиссер Сергей Стеблюк, художник Игорь Капитанов, художник по костюмам Фагиля Сельская, сделали внятный, жесткий, умный спектакль, который точно раскрывает многослойную и многозначную историю, написанную М. Горьким (в программке обозначено, что спектакль сделан по второму варианту пьесы «Васса Железнова» 1936 года). Актриса Виктория Фёдорова уверенно ведет партию Вассы, раскрывая всю противоречивость героини, метания, ощущения собственного краха. Ее сила, изворотливость, жизнестойкость, властность оборачиваются против женщины, ведя к погибели ее мир, так трудно и любовно выстроенный, доставшийся ей ценой кровавых преступлений и предательств.

Глотком свежего воздуха стал изобретательный, остроумный, озорной спектакль «Барышня-крестьянка» Академического русского драматического театра имени А.С. Пушкина из республики Саха-Якутия.

Спектакль поставлен Ириной Астафьевой из Барнаула, сценография и костюмы Елены Жуковой (Санкт-Петербург), режиссер по пластике Александр Пучков (Новосибирск).

Спектакль игрив, театрален, ироничен, при том, что дух Пушкина, очарование этой одной из самых солнечных и лукавых повестей Белкина, сохранен. На сцене - огромная рама, которая намекает зрителю: это картинки из старинной жизни, симпатичные зарисовки, игра. Особое место занимает действующее лицо «народ», милые девушки в холстинковых платьях, с длинными косами, которые создают образ молодой вольной жизни. Они произносят текст Пушкина, по-разному реагируя, описывая происходящее. С ними заигрывает бравый Алексей, как в рассказе Насти о его игре в горелки с дворовыми девушками. Каждая сцена, поворот событий, таят новый сюрприз для зрителя.

В этом спектакле нет унылого почтения и пиетета перед автором. Задник - полоски ткани, на которых - тексты Пушкина. Участники спектакля дерутся из-за книги с повестью «Барышня-крестьянка». Не до политеса, надо быть первым в новой забаве. Здесь много от народной простой игры, но увидено все через опыт современного многозначного и склонного к фантазиям театра.

Русский драматический театр из Удмуртии (Ижевск) показал запись спектакля «Алексей Каренин» В. Сигарева, сделанной по мотивам романа Л.Н. Толстого «Анна Каренина». Постановщик Константин Солдатов определил жанр как «Сцены из супружеской жизни». Ученик Николая Коляды, виртуозно создающего оригинальные пьесы по классическим текстам, Сигарев перевертывает хрестоматийно известный роман классика и показывает историю измены, адюльтера глазами обманутого и страдающего мужа. Читатель и зритель привыкли смотреть на Алексея Каренина как на педанта, почти злодея, бесчеловечную машину, уничтожающую Анну. А Каренин - глубоко страдающий, тонко чувствующий человек.

Спектакль был взят в репертуар специально для ведущего актера театра Юрия Малашина к его юбилею. Поражает соединение силы и слабости в характере этого человека, пытающегося сохранить свой мир, цепляющегося за привычное, но трагически погибающего под обломками своего такого, казалось, прочного и незыблемого мира. А окружающие его люди - и напористая Лидия Ивановна (Ольга Слободчикова), и занятая только собой обольстительная и глухая к страданиям окружающих Анна (Екатерина Саитова), и исполнительные, но равнодушные чиновники Департамента только острее подчеркивают его одиночество.

Вся жизнь Каренина - сплошные острые углы. Под таким острым углом располагается внешне геометрически выверенная, но по сути многозначная декорация - панели, углы, двери, теряющиеся в стенах, второй ярус (художник Арина Слободяник). Все эти жизненные пространства не соединяют, а катастрофически растаскивают людей по углам, отбирая надежду на счастье, саму жизнь. И работа режиссера, и мастерство актера создают необычный, небанальный, запоминающийся, тревожащий спектакль, заставляя по-новому задуматься над привычными текстами.

Мне кажется, что особое место занял на фестивале спектакль Национального молодежного театра республики Башкортостан «Долгое-долгое детство», озаглавленный «главы из романа Мустая Карима». 100-летие литературного мэтра, классика башкирской литературы определило выбор произведения, но повести, рассказы Мустая Карима, давно ставшего классиком, не сходят со сцен башкирского театра, потому что он проникновенно рассказывает о судьбе, страданиях, надеждах своего народа, о его истории, главное же - выпукло, зримо изображает национальный характер.

Мусалим Кульбаев, вопреки изменчивой моде, создает поистине эпическое полотно, охватывающее жизнь нескольких поколений. Постановщик вслед за автором показывает и незыблемость устоев, и вечные нравственные ценности, свято хранящиеся в народе, и проявления героизма, самоотверженности, прощения, но и злобы, жестокости, подлости. Массовые сцены соседствуют с монологами и диалогами, действие увидено глазами мальчика, Мустая, который мужает вместе со страной, с народом, постигает вечную мудрость которую передает потомкам. Кульбаев не боится традиционной неспешности и подробности. Он строит сценический мир, умело меняя ритмы, выстраивая знаковые мизансцены, прорабатывая партитуры актерских ролей. Показанный онлайн, спектакль, конечно, многое потерял, но оставил желание увидеть эту работу воочию. Шла речь о том, чтобы пригласить коллег на следующий фестиваль и показать «Долгое-долгое детство» на большой сцене.

Фестиваль завершился, в очередной раз показав, как многообразна и необычна палитра поисков русских театров в национальных республиках, входящих в состав России, как важна их роль в сохранении русского языка и русской культуры, как уверенно и разумно продолжает художественный руководитель русского театра из Йошкар-Олы традиции уникального творческого объединения МАРТ, Международной ассоциации Русских театров, зародившейся еще в конце прошлого века и уверенно работающей во втором десятилетии ХХI столетия.

Фотогалерея