В гости к Чехову / Третий фестиваль национальных театров России «Крымская театральная осень» (Ялта)

Выпуск №3-243/2021, Фестивали

В гости к Чехову / Третий фестиваль национальных театров России «Крымская театральная осень» (Ялта)

В последние три года в Ялте появилась достопримечательность - фестиваль Национальных театров автономных республик при поддержке Министерства культуры РФ, Министерства культуры Крыма и Союза театральных деятелей РФ (ВТО).

На сей раз, как и в предыдущие годы, зал Ялтинского театра в течение девяти дней, несмотря на пандемию, заполнялся в партере полностью. Значит, тяга к театральному искусству у зрителей не пропала, шоу-бизнес не смог заменить общение с живым актером, а сопереживание судьбам героев в представленных спектаклях по-прежнему остается главным.

Основной инициатор «Крымской театральной осени», фестивальный центр «Балтийский дом» под руководством Сергея Шуба попал в десятку, выбрав на театральной карте России многонациональный Крым для проведения фестиваля, где каждому коллективу было оказано особое уважение и любовь. Театры из Дагестана, Бурятии, Карелии, Кабардино-Балкарии, Алтая летели за тысячи километров на берег Черного моря, чтобы себя показать, других посмотреть и поклониться Дому Антона Павловича Чехова.

Именно на этом фестивале происходила негласная интеграция культур, продиктованная национальным менталитетом. А на «круглом столе» речь шла о сохранении родного языка каждого из народов. И хотя национальные театры получают дополнительные 25 % за игру на своем языке, большинство зрителей предпочитают смотреть спектакли на русском, потому что в школах национальный язык преподают факультативно. Это проблема из проблем, и государству надо на нее обратить особое внимание, так как национальная культура без родного языка нивелируется, утрачивает свои корни.

Обычно первый фестивальный спектакль задает тон всему, что показывается после. Девиз фестиваля «Возвращение в любовь» родился из названия постановки петербургского «Балтийского дома», замысел которой связан с исторической памятью, поколением «шестидесятников», сыгравших большую роль в формировании свободной личности, а также с началом творческого пути композитора Раймонда Паулса и поэта Евгения Евтушенко, своим творчеством доказавшего, что «Поэт в России больше, чем поэт». Казалось, мы знаем о них все, и в то же время о многом догадываемся, строим свои версии: каким образом этим художникам удалось сохранить человеческое достоинство при давлении партийной цензуры и повести за собой? Именно эту тему в жанре сентиментального путешествия с музыкой Раймонда Паулса и стихами Евгения Евтушенко разработала режиссер Галина Полищук, опираясь на сценарий Марины Смысловой. Молодым актерам Игорю Гопликову и Роману Жряблову пришлось испытать все «прелести» «хрущевской оттепели»: радость от первого полета человека в космос, горькое чувство вины, когда советские танки во время Пражской весны вошли в столицу Чехословакии и так далее. Таким образом, «Балтийский дом», берущий начало от Ленинградского театра имени Ленинского комсомола, продолжает линию своего предшественника с верой в человека и ради человека.

Приехавшие на фестиваль Большой академический русский драматический театр имени В.И. Качалова (Казань), отмечающий 230-й юбилей, и Академический русский театр имени Е.Б. Вахтангова из Владикавказа, празднующий в этом году 150-летие, тоже могут похвастаться талантливой молодежью, выращенной в родных стенах. Два музыкальных спектакля: «Когда зажгутся фонари» и «Оркестр» Жана Ануя вызвали бурю оваций в зрительном зале. В сценической композиции Ильи Славутского «Когда зажгутся фонари», состоящей из произведений советских композиторов 30-70-х годов, каждая песня превращалась в музыкальный мини-сюжет с биографиями удивительно смешных, нелепых, милых героев. В этом ретро было нечто такое, что согревало душу, а поэтический текст задевал за живое, ибо в нем было то, что нельзя забыть никогда: родной дом, материнские руки, улыбку ребенка, прощание с любимой женщиной.

Кабардинский государственный драматический театр имени Али Шогенцукова привез в Ялту нестареющую «Хануму» с красавицей свахой в исполнении Заират Мафедзовой, покорившей всех своим обаянием. Насмешки над нелепыми героями «Ханумы», подсказанные актерской интуицией, органическое существование исполнителей в жанре озорного водевиля, превращали дипломный спектакль кабардинской студии Щукинского театрального института (мастерская Павла Любимцева) в праздничный фейерверк. Ну, а музыка гениального Гии Канчели, написанная к товстоноговской постановке 1972 года, создавала атмосферу открытого игрового театра с артистами, способными импровизировать на ходу. В слаженном актерском ансамбле, унаследовавшем технику вахтанговской школы, особенно выделялись два артиста: Имран Бляшев и Жамболат Бетуганов. Дуэт придурковатого князя Вано Пантиашвили, мечтающего жениться на богатой невесте и жить припеваючи ничего не делая, и его слуги Тимоте, зеркально отражающего глупость своего хозяина, поражал виртуозной пластикой циркачей.

Казалось бы, жанр притчи - родной для артистов Национального драматического театра имени П. Кучияк из Горно-Алтайска. Но оказалось, насколько важно было сохранить чувств меры в изложении романтического сюжета «Чейнеш» (что в переводе означает «Цветок»), повествующего о двух влюбленных, решивших броситься со скалы в знак протеста против насильно выданной замуж Чейнеш (Алина Попошева) за сына богатого бая. Приглашенный на постановку лауреат «Золотой Маски» Сергей Потапов боролся с пьесой, написанной в 20-е годы, как мог. То трактовал события в стилистике орнаментальной восточной культуры, уделяя большое внимание красивому рисунку, то прибегал к обличительной сатире давно исчезнувших на Алтае баев и уцелевших шаманов, что весьма было опасно для исполнителя астрального образа Айдара Унатова. А вдруг разгневанные духи накажут его... Режиссер уехал, а спектакль с прекрасными костюмами и актерами, обладающими уникальными голосами и мастерством горлового пения, остался. Хотя, вероятно, уже не в первоначальном виде, обнажив просчеты не слишком тщательной режиссуры.

В отличие от Горно-Алтайского театра, приезжающего на фестиваль впервые, Национальный театр Карелии чувствует себя в Ялте как дома. Камерный спектакль «Машина идет к морю» по пьесе Алекса Бьёрклунда, приглашающий к размышлениям о роли свободы в жизни людей, опустившихся на самое дно, вызывал досадное чувство безысходности. Задуманная режиссером Александром Овчинниковым история бытия трех бедолаг за чертой бедности, напоминала очередную копию театра абсурда. Бесконечно жалким и опустошенным героям: Старику (Глеб Германов), Дворнику Борису (Дмитрий Иванов) и Мальчику-аутисту Виктору (Денис Никитин), вечно голодным и злым, не желающим что-либо менять, остается только мечтать о путешествии к морю и ждать. А чего ждать - они и сами не знают. Правда, Старик попытается, для храбрости опустошив бутылку, оборвать никчемную жизнь с помощью веревки, но и тут ему «не повезло». Добряк Борис вытащил из петли, и вместо благодарности получил порцию ударов по башке. Единственная лампочка, тускло освещающая убогую обстановку, может в любой момент перегореть, а значит, будет поставлена последняя точка в приближающемся финале несчастных лузеров, и только музыка Иоганна Себастьяна Баха, звучащая в поднебесье, напомнит о данной человеку Богом свободе, да еще о Черном море, нарисованном на заднике, куда так и не попадут выброшенные социумом три неудачника.

После мрачного поставангардизма, лишенного какой бы то ни было любви, спектакль Государственного республиканского русского драматического театра имени М. Горького из Махачкалы «Домик на окраине» по пьесе Алексея Арбузова был заполнен магией любви, способной преображать человека, готового жертвовать собой ради спасения любимых. Как ни странно, но пьеса, написанная в 1954 году, с героями, свято верившими в справедливость и светлое будущее, не выглядит архаично, так как в ней есть правда русского характера, одна из характерных черт которого - брать ответственность на себя. Персонажи спектакля принадлежат к поколению, выигравшему войну, а сестры Ивановы, Вера, Любовь и Надежда, напоминают чеховских сестер Прозоровых. Здесь нет генеральского дома, есть деревянный домик на окраине Москвы, куда приезжают погостить друзья. Даже во время войны, после того как дом пострадал во время бомбежки, жизнь из него не ушла. Он превратился в маленькую крепость с выбитыми окнами, огромными пробоинами в стенах, куда проникает холодный ветер. Приходится кутаться в телогрейки, полушубки, согреваться горячим чаем, ощущая заботу ласковых женских рук во время перевязок, и снова отправляться на фронт. Общая беда изменяет всех героев спектакля. Юношеская бравада спадает с задиристого Шеремета (Артур Джахбаров), ибо надо оставаться самим собой и принимать жизнь такой, как она есть. Как громом пораженный, стоит он перед ослепшей в бою Надеждой (Диана Джахбарова), сменившей косички на короткую стрижку, не принимающей от него жалости, но как же она ему дорога!.. Прежняя озорная Любка, у которой на уме были только танцульки (Диана Михачева), уже забыла, как «дурила голову» своим поклонникам, нынче все ее мысли заняты спасением маленькой девочки, привезенной из блокадного Ленинграда. Тяжелая женская доля не обошла и старшую сестру Веру (Алина Абдулганиева). Жестокая судьба отобрала любимого Алешу, скончавшегося на ее глазах от смертельных ран, успев призвать следовать долгу, руководить ремонтом танков, прибывших с передовой...

Надо отдать должное режиссеру Марине Карпачевой, семнадцать лет работающей в махачкалинском драматическом театре, как правило, ставящей автора на первое место и последовательно воплощающей его замысел. Вот и теперь, проведя параллель между чеховскими тремя сестрами и героинями Арбузова, такими родными по духу, Карпачева сумела убедить зрителей, что ничто не проходит бесследно, и русский характер тому подтверждение.

 

Фото предоставлены организаторами фестиваля

Фотогалерея