РЫБИНСК. Дом на Крестовой улице

Выпуск №5-255/2023, В России

С Рыбинским драматическим театром я познакомилась три года назад, и эта встреча запомнилась, как остался в памяти и заснеженный декабрьский город с красивой набережной, отреставрированными старыми купеческими домами, храмами, какой-то особенно уютной Крестовой улицей, на которой расположен театр. Небольшой, но ухоженный, заботливо обустроенный для сотрудников, труппы и, конечно, зрителей. Поначалу немного удивили толпящиеся перед началом спектаклей люди, и в будние, и в выходные дни, непременный человек со списком в руках возле кассы - записывающий на билеты на неделю, а то и почти на месяц вперед, заполненный до отказа зрительный зал. Но удивление прошло довольно быстро: разнообразный репертуар на все возрасты; разные режиссеры, приглашенные на постановки; сильная труппа; энергичный директор Ирина Петровна Петрова, которую можно застать на месте, кажется, в любое время суток...

В тот раз я приехала в Рыбинск с семинаром театральных журналистов и критиков, и было приятно видеть, как не просто доброжелательно, но внимательно слушали артисты каждое обсуждение и, может быть, не со всем высказанным соглашаясь, благодарили, понимая: по другую сторону рампы многое видится иначе, чем из глубины сцены.

Мы увидели тогда шесть спектаклей, очень разных по-режиссерски, но неизменно сильных по-актерски. И запомнились лица и имена артистов, занятых в «Братьях Карамазовых» и «Смехе лангусты», «Стране «Нигде» и «Безумном дне, или Женитьбе Фигаро». Впрочем, я старалась все прошедшие с той поры годы следить за этим театром - многочисленные участия в фестивалях, дипломы режиссерам и артистам, множество новых постановок, новые режиссерские имена... Все это свидетельствовало о том, что коллектив живет насыщенной жизнью, обретая опыт работы с достаточно разнообразным материалом, с иными режиссерскими методами.

За три дня довелось увидеть четыре спектакля, каждый из которых вызывал разные эмоции и мысли. Первым был «Француз» С. Шимоне в постановке Евгения Ланцова. Невнятное определение жанра «лирическая мелодрама» повлекло за собой и невнятность постановки. Пьеса об Отечественной войне 1812 года сведена к судьбе французского офицера, попавшего в плен и доставленного в бессознательном состоянии в крестьянскую семью, где его принимают по приказу исправника, но постепенно начинают заботиться и выхаживать. А старший сын этой семьи возвращается с войны искалеченный и с яростью рассказывает об унижениях, которые пережил в плену. Подобное лобовое сопоставление хороших русских и плохих французов вызывает ощущение какой-то сюжетной вымученности, в которой смешано то, что смешению явно не подлежит. Патриотическая тема, решенная тем, что француз до такой степени обрусел, что отпустил бороду, проникся религиозными идеями, научился участвовать в крестьянском ведении хозяйства и не поддается уговорам разыскавшей его невесты вернуться на родину? На мой взгляд, это столь же примитивно и спорно, сколь примитивна и спорна сценография Андрея Медведева: глухая дощатая стена с несколькими застекленными (!) окнами, которыми по непонятной причине пользуются лютой зимой как дверьми, бесконечно открывая и закрывая их при том, что за кулисами угадываются двери в избу, через которые изредка входят и выходят. Простенки между окнами украшены портретами в весьма современных золоченых рамках: икона, на которую ни разу никто не перекрестился; портрет (слишком откровенно схожий с увеличенной фотографией) то ли предков, то ли главы семьи и его умершей жены; парадные портреты императора Александра и фельдмаршала Кутузова во всех регалиях. Напомню - это в крестьянской избе, пусть и довольно зажиточной...

При этом действие сопровождает мастерское исполнение стилизованных песнопений (педагог по вокалу Валерия Пушкарева) действующих лиц, поименованных Бабы, иными словами, работниц семьи, Марии Сельчихиной, Аллы Онуфриенко, Гульноры Поздняк, Екатерины Бондаренко, Натальи Левиной, Эльвиры Аширбакеевой и Софьи Скрябиной. Что же касается текстов этих песнопений - о них лучше не говорить, оставив в памяти красивое, звучное исполнение. Но при полной сумятице условности и густого быта в сценографии и постановке артисты играют осмысленно. Первое появление Жюля (Сергей Молодцов), воодушевленного участием в войне, горячо убеждающего свою невесту Жустину (Алла Молодцова) в том, что великая Франция завоюет весь мир; гордость Жустины за своего жениха, смешанная со страхом - полны искренних и оправданно возвышенных эмоций. Постепенное осознание Жюлем в крестьянской среде, что не так все просто и однозначно, сыграно артистом убедительно: в его сдержанности, попытках понять, что происходит вокруг, в этом чуждом мире русской деревни, ощущается напряженный процесс, за которым интересно следить.

Дочь хозяина Настасья (замечательная работа Екатерины Талановой!) тоже переживает глубокий процесс познания себя: от девушки, вынужденной ухаживать за человеком, не просто чужим, а врагом, который, возможно, убил ее старшего брата, через попытки понять его - до влюбленности. Выразительны глава семьи Елизар (Юрий Задиранов), младший сын Якимка (Сергей Батов), добродушный весельчак; пожалуй, чересчур грозен и мрачен вернувшийся в родной дом Григорий (Максим Ткач). Его встречают более со страхом, нежели с радостью: а вдруг Гришу искалечил именно тот, кого приютили и выходили в этих стенах? Обидно, что очень интересной актрисе Алле Молодцовой дан режиссером странный рисунок. Если в начале спектакля она предстает обольстительной и вдохновленной будущими подвигами невестой Жюля, то в момент прибытия в русскую деревню более похожа на карикатуру. И лишь к финалу, перед возвращением с женихом на родину, обретает женственность и человечность. Возможно, для общего патриотического звучания спектакля режиссеру потребовалось такие естественные чувства французской дворянки как брезгливость, страх, непонимание и нежелание понять этих странных людей решить эти чувства карикатурно? Но актрисе, хорошо запомнившейся мне по прошлому приезду в Рыбинск, было вполне по силам сыграть это смятение серьезно и глубоко.

Так же, как сильным артистам Сергею Шарагину (Исправник) и Евгению Колотилову (Доктор) стоило позволить остаться в сюжете не просто «функциями». Они могли бы даже в небольших эпизодах раскрыть характеры, чего, к сожалению, не произошло...

Спектакль «Француз», к счастью, оказался единственным разочарованием в выборе пьесы, недостаточности (а, скорее, невозможности) преодолеть ее поверхностность и сумбурность содержания. Впечатления от последующих спектаклей выстраивались «по нарастающей».

Константин Демидов (он же автор инсценировки, сценограф, автор музыкального оформления) поставил «Бедную Лизу» Н.М. Карамзина в неожиданном пространстве - на балконе зрительного зала, на небольшое количество зрителей (в основном, школьников старших классов). На занавесе сцены, в глубине - надпись «Бедная Лиза», немного колышущаяся, словно вода того самого пруда, в котором утопилась девушка. По ходу действия на нем будут возникать словно размытые очертания Симонова монастыря, воды, деревьев - ненавязчиво настраивающих на восприятие особой атмосферы. Но начнется спектакль с появления трех персонажей в современном одеянии, начинающих рассказывать о творчестве Карамзина и сентиментализме. Впрочем, рассказ скоро прервется, начнется действие. Юная, наивная, чистая девушка Лиза (Татьяна Конюкова) встретит юношу Эраста (Максим Ткач) и расскажет об этой случайной встрече своей матушке (Мария Сельчихина). И словно оживет давняя, хрестоматийно известная история в тонком, чувственном проживании трех артистов, наполненных живыми эмоциями. На столь близком расстоянии, когда прямо перед тобой глаза, жесты, мимика, не солгать, не раствориться в создаваемом здесь и сейчас мире, не передать его зрителям во всей полноте - невозможно! Каждое слово, каждое движение прочувствовано и прожито настолько естественно и просто, что в какой-то момент покажется, будто распростертый внизу, почти невидимый зрительный зал воспримется пропастью, что изначально разделяла Лизу и Эраста, а значит - все было предопределено. И гибель Лизы решена так же просто и выразительно: она окажется внизу, на сцене, занавес перед ней приоткроется, оттуда хлынет ослепляющий свет, и девушка шагнет в эту открывшуюся перед ней глубину, а занавес вновь закроется...

И перед нами окажутся все герои, которые разрядят грустную атмосферу и с долей мягкого юмора завершат свой сентиментальный, глубоко трогающий рассказ, вызывающий у части зрителей слезы. Они вернутся к писателю и к пародиям современников, которые были нацарапаны на дубе возле Симонова монастыря: «В струях сих бедная скончала Лиза дни; Коль ты чувствителен, прохожий, воздохни!», «Здесь бросилася в пруд Эрастова невеста. Топитесь, девушки: в пруду довольно места!»

Спектакль надолго запомнится своей чистотой, светом, изобретательностью прочтения классики, мастерским существованием артистов в непривычном пространстве...

«Эдит Пиаф» - самостоятельная работа артиста театра Евгения Колотилова, ему принадлежат литературная композиция по мемуарам певицы, сценография, подбор музыки и режиссура. Как мне рассказали, спектакль шел в фойе театра, но настоятельная потребность зрителей, высоко оценивших эту работу, заставила перенести его на большую сцену. В этом, на мой взгляд, и явилась причина того, что атмосфера утратила свою концентрацию, несколько размывшись. Две актрисы, Екатерина Бондаренко (Эдит Пиаф) и Мария Калинич (Магда, сестра певицы, на наших глазах с помощью головных уборов превращающаяся в разных мужчин от отца до последнего возлюбленного Марселя), на фоне фотографий Пиаф разного времени, афиш ее концертов, нескольких предметов мебели и - главное! - завораживающего голоса певицы заставляют на протяжении всего спектакля окунуться в жизнь этой женщины, переживая с ней вместе невзгоды, радости, любовь, разочарования, потери. На более близком расстоянии зрители могли бы не только мысленно, но и душевно раствориться во всех перипетиях судьбы великой певицы - жалко, что песни, большинство которых живо в памяти не одного поколения, резко обрываются или сопровождаются переводом на русский язык Екатериной Бондаренко через микрофон. Этот прием перевода сильно и глубоко «работает» лишь в двух случаях: когда Пиаф после гибели Марселя поет «Мой бог...» и когда говорит о своем завещании песней «Нет, ни о чем я не жалею...»

Хорошо понимаю, почему зрители так стремятся по несколько раз смотреть этот спектакль: бережно, осмысленно и точно выполненная литературная композиция (к слову сказать, напрасно почти забытая нынешним театром), тщательно подобранная музыка, функциональная, дающая простор сценография, живое существование актрис. Но все-таки атмосфера должна быть более камерной, максимально приближенной к тем, кто так хочет еще и еще раз пережить судьбу «маленького воробушка», покорившего весь мир...

Первый вариант горьковской «Вассы Железновой» поставила художественный руководитель Рыбинского драматического театра Наталья Людскова. Написанная советским классиком в 1910 году, пьеса оказалась более созвучна всем временам, нежели ее второй вариант, созданный в духе социалистического реализма основоположником этого метода в середине 30-х годов. И сегодня она звучит в нашем расслоившемся обществе как живая и современная.

Любопытно, что первоначальным названием было у Горького «Мать. Сцены». В 1906 году был написан роман «Мать», ставший на долгие десятилетия своего рода визитной карточкой не только писателя, но и метода, признанного после Октябрьской революции единственным для советской литературы во всех жанрах. Пьеса явно не вписывалась в эту струю, она была глубже и значительнее, как ощущается сегодня тем, что все конфликты сходились в один узел: ожидание смерти других Железновых ради наследства, вплоть до сознательного убийства. Никаких революционных идеалов, никаких противоречий социальных и идейных, никакой подлинной человеческой привязанности - все могли решить только деньги. И жесткое разделение внутри семьи происходило с более или менее выраженной степенью искренности лишь по одной причине: кому что достанется после смерти отца и его брата.

В спектакле Рыбинского драматического театра мы видим и всей кожей ощущаем удушливый, страшный мир (не совсем соответствует ему нагромождение пустых ящиков в уголке-кабинете Вассы Петровны и экран с оголенными зимними деревьями или сыплющимся снегом, а особенно - с церковью в финале. Такова сценография Анастасии Глебовой). В мире этом ради денег герои предстают от фальшиво-ласковых, уважительно относящихся к матери, до потерявших человеческий облик при известии, что им ничего не достанется. Но режиссер и артисты решают это без преувеличений, напыщенности - просто и естественно, «по-горьковски», когда действие приводят в напряженное движение характеры в их четко определенном психологическом состоянии. Каждый характер выверен до мелочей в костюмах (художник по костюмам Наталья Ситуха), подборе соответствующей спектаклю в целом и персонажам ненавязчивой музыки (Наталья Людскова), в ритме смены сцен, в индивидуальных проявлениях открытых и скрытых черт от Вассы Железновой (великолепная работа Светланы Колотиловой) до почти эпизодических прислуги Липы (Эльвира Аширбакеева) и постоянно подслушивающей и подглядывающей за домочадцами не только по приказу хозяйки Дунечки (Наталия Левина). Жизнелюб и сладострастник Прохор Железнов предстает в исполнении Владимира Калюкина вполне современным дельцом, для которого не существует моральных запретов. Старший сын Железновой Семён (Сергей Молодцов) весело и бездумно живет в мечтах о будущем наследстве, которое позволит ему уехать в город и открыть ювелирную лавку, а его жена Наталья (Екатерина Таланова), монументальная и до приторности елейная одновременно, лицемерно жалеет озлобленного на весь мир горбуна Павла (прекрасная работа Сергея Батова), фальшиво проявляет заботу обо всех окружающих и лишь в последний момент, узнав, что наследства не будет, являет свой истинный облик. А как элегантна, загадочна и лукава Анна Натальи Грациановой! Лишенная отцом перед замужеством наследства, давшая в том расписку, она уверена, что сможет вырвать свое у матери и братьев, если будет вести себя как положено в этом доме: выпытывать, подслушивать, как бы невзначай предложить смешать лекарства дяде Прохору, чтобы он поскорее отправился на тот свет. Исполнителен в надежде на будущие выгоды и Михайло Васильевич (Юрий Задиранов), управляющий Железновых, отец Людмилы, жены Павла (прекрасно ведет свою роль Александра Капырина, создав характер несчастной молодой женщины-красавицы, выданной за горбуна, которого она ненавидит, пускаясь во все загулы с Прохором).

Каждый из обитателей этого мрачного дома страшен и таит угрозу окружающим настолько сильно, что зрительный зал почти не дышит в ожидании новых и новых преступлений. Не ради чего-то возвышенного - ради денег...

Горький считал, что отечественному искусству необходима мелодрама - только не в привычном толковании этого жанра: новая мелодрама, по мысли классика, проявляется не столько в цепочке событий, сколько в характерах и психологических типах, события определяющих. И именно это прочитано и точно воспроизведено в спектакле Рыбинского драматического театра.

В 2025 году театру исполнится 200 лет. Наше продолжение знакомства укрепило интерес к его будущей судьбе - в этот уютный дом на Крестовой улице, в котором обитают замечательные мастера своего дела, будет тянуть, чтобы вновь и вновь испытать радость встреч с Театром...

Фото предоставлены театром

Фотогалерея