"Полярная сова" / Первый международный фестиваль театров кукол в Мурманске

Выпуск №9-259/2023, Мир кукол

Мурманчане вошли во вкус фестивальной жизни. Прошло несколько месяцев после завершения «Арктической сцены» - фестиваля драматических театров, и вот в апреле прилетела «Полярная сова», а с ней и 16 театров из Архангельска, Луганска, Санкт-Петербурга, Москвы, Пскова, Вологды, Котласа, Республики Коми, Белгорода, Белоруссии - из Гродно и Витебска.

Мурманский областной театр кукол имеет опыт в организации фестивалей, поскольку «Полярная Сова» - преемница Международного фестиваля театров кукол стран Баренцева региона, который просуществовал почти двадцать лет, объединяя театры нескольких стран, но не получил дальнейшего развития.

У «Полярной Совы» сложилась своя концепция. Как заметил директор Мурманского областного театра кукол Евгений Суханов, сознательно отказались от работы жюри, премий, соревнования за почетное место. Вместо этого пригласили именитых театроведов, преподавателей театральных вузов и критиков из Петербурга и Ярославля в качестве экспертов. В интервью местной радиостанции автор известных книг об искусстве театра кукол Анна Федоровна Некрылова сказала, что главное - это работа, обмен мнениями, «заряжение свежими идеями», «проверка на актуальность и результативность новых направлений». Праздник - это для зрителей, которых она считает весьма подготовленными, поскольку Мурманскому театру кукол в 2023 году исполняется 90 лет! В процессе фестиваля были предложены тренинги, творческие встречи, лекции, что позволяло повысить квалификацию всем участникам, тем более что встретились выпускники, ставшие мастерами, а также их преподаватели. Атмосфера фестиваля предполагала общение на равных, была открытой и сердечной. Работа коллективов отличалась невероятной интенсивностью.

В течение короткого фестивального времени вышло несколько экземпляров газеты «Глас совы» под редакцией Петра Макарова, основные аналитические статьи практически обо всех спектаклях были написаны Вячеславом Лётиным, доцентом кафедры театроведения и общих гуманитарных наук из Ярославского театрального института, и Алексеем Макаровым, выпускником этого вуза, театроведом и автором «Страстного бульвара,10». Гости не только показали спектакли, но и увезли домой доскональный разбор собственной работы.

Фестиваль открылся спектаклем Луганского академического театра кукол «Бабушкины сказки. Красная шапочка», и это не случайно. Организаторы, эксперты, гости тем самым поддержали коллег и сразу включили в театральное сообщество России.

Каждый спектакль сопровождался короткими репризами, которые поставил главный режиссер Мурманского театра кукол, лауреат «Золотой Маски» и «Золотого софита» Петр Васильев, их разыгрывали актеры в костюмах зайцев. Белые полярные зайцы грызли морковку и капусту, пили морковный сок, хулиганили, били в барабан, пререкались с режиссёром, создавая атмосферу циркового представления, весёлой клоунады. Эти шутливые сценки объединяли постановки разных жанров в подобие ревю и тем самым создавали единое театральное пространство.

Фестивальная программа отразила новейшие тенденции в развитии театров кукол в России. Заметим, что почти все постановки основывались на интерпретации известных литературных текстов или знакомых сказок. Среди них чеховская «Каштанка» Архангельского театра кукол, «Голый король» Шварца Мурманского областного театра кукол, «Счастливый принц» Уайльда московского Театра кукол «Котофей», «Вечера на хуторе близ Диканьки» Псковского областного театра кукол и необычный спектакль «Биба. Про Сашу Блока» Камерного театра кукол «Без занавеса» (Санкт-Петербург), который основывается на биографии Блока и его ранних детских стихах. Среди сказок «Каша из топора» Государственного театра кукол Республики Коми (Воркута), «Терёшечка» Белгородского государственного театра кукол, « Камень и Соломинка, или Силлогизмы Гордея Ивановича» московского Негосударственного театра «Шутик», основанный на духовных стихах, «Золочёные лбы» Шергина Гродненского областного театра кукол, «Кошкин дом» Маршака этого же театра, «Три поросёнка» Михалкова Котласского драматического театра, «Синдбад-мореход» Вологодского областного театра кукол «Теремок». «Белорусский театр «Лялька» из Витебска привёз «Казкi пра казку» и играл на родном языке. Детская театральная школа города Мурманска представила спектакль «Музыкальный переполох».

В процессе работы обозначилась интересная тенденция, которую Вячеслав Лётин при анализе постановки Светланы Дорожко «Синдбад-мореход» обозначил как «взрослые» смыслы «детского» спектакля. Театровед отмечает, что этот спектакль «актуален в свете социальных, психологических и гендерных противоречий нашего времени» - это суждение о спектакле для детей 6+! Выход за границы детского сознания оказался характерен для многих постановок.

Гости стремились показать и обсудить самые интересные и необычные спектакли своего репертуара, хотелось бы написать обо всех работах, но жанр статьи заставляет выбрать один из характерных аспектов фестивальных показов, тот самый, когда в постановке существует подтекст, связанный с обращением к сознанию взрослого человека, что порождает весьма неожиданные смыслы спектакля.

Санкт-Петербургский театр «ТриЧетыре» работает для детей обычных и с особенностями развития. На фестивале он представил постановку режиссера Арины Юдинцевой «Город детства», где Юдинцева является и автором текста, и актрисой. Режиссёр и актёры (Кирилл Смирнов, Анна Белопухова, Александра Юдина, Александр Лозицкий) воплощают образы детства тех времен, когда не было мобильников, интернета и компьютеров, а по телевизору шли сериалы «Санта-Барбара» и «Рабыня Изаура». Люди жили в хрущевках, и художник-постановщик Ольга Петровская воссоздаёт на сцене комнату с дешевыми обоями, иллюстрациями из «Огонька» на стене и множеством старых чемоданов, которые легко превращаются в простейшую мебель. Груды чемоданов и напоминание о том, что мы - пассажиры самолета, подчеркивают философский смысл спектакля, касающийся быстротечности жизни, временности пребывания на земле. В режиссерской композиции действие - это ряд скетчей из жизни условного взрослеющего ребенка: его рождение, взаимоотношения с родителями, бабушкой, рассказ о бытовых проблемах, о праздниках, о детских фантазиях, иногда опасных. Сценки эмоционально окрашены - трогательные, комические, печальные. Счастье получить в подарок розовый кукольный домик, беда, когда его ломает пьяный отец. Создавая образ детства, актеры используют пантомиму, читают тексты, танцуют, поют. Возникает мир живой, узнаваемый, вызывающий ностальгические чувства. В этом спектакле актеры обходятся без кукол, их заменяет кукольный предметный мир, игрушки: детские вещицы, куклы, мячики, домик с игрушечной мебелью, позднее вместо него - макет условного города. В центре художественного образа спектакля жизнь, понимаемая как игра. Игра с условными и метафорическими образами должна быть тщательно продумана, поскольку они вступают друг с другом в неожиданные отношения. В финале детская шалость с фейерверком приводит к разрушению туалета, и актеры уходят со сцены, демонстративно унося с собой нечто, найденное в унитазе. Эта сцена не особенно шокирует, если вспомнить античную комедию времен Аристофана с ее подчеркнутым натурализмом, однако заставляет задуматься о замысле постановки - что этот финальный образ означает? А в чем вообще заключается цель этого интересного рассказа о детстве? Все-таки спектакль требует четкости и завершенности режиссерского намерения.

Поскольку задачей фестиваля была проверка «новых направлений», то и в анонсе Псковского областного театра кукол, основанного 60 лет тому назад учениками Евгения Деммени, сказано, что театр «стремится к тому, чтобы каждый творческий шаг коллектива был началом нового пути в неизведанное». Театр предложил зрителям версию «Вечеров на хуторе близ Диканьки», созданную Сергеем Плотовым по мотивам повести Гоголя, в режиссерском прочтении Александра Заболотного, оформленную художником-постановщиком Виктором Никоненко. Актеры в спектакле предстают в двух ипостасях: как кукловоды и в качестве драматических артистов (Евгений Бондаренко, Николай Зубрилин, Борис Поткин). Гоголевская история о поездке кузнеца Вакулы на чёрте за царскими черевичками для Оксаны - это кукольный спектакль, обрамлением которого служит история трех торговцев. Они останавливаются на привале и вытаскивают из мешка кукол. Актеры играют свой собственный комический спектакль: дурачатся, грызут яблоки, зовут чёрта. Вынимая кукол из мешка, актеры-торговцы создают спектакль у нас на глазах. Они импровизируют, о чем-то договариваются, спорят. Под стать и куклы, их одежда кое-как сшита из мешковины, а грубые лица слеплены из глины. Даже кукольный образ Екатерины, повторяющий известный памятник, такой же примитивный и завернут в мешок. На сцене есть конструкция из трех планшетов, на которые проецируются небо, земля, Диканька, она становится ширмой для веселых проделок актеров. Торговцы-актеры играют фабулу гоголевской повести, без деталей, без пространных выразительных диалогов, в быстром темпе, на ходу придумывая постмодернистскую игру с гоголевским текстом. Куклы у них висят вниз головой, Солоха лежит горизонтально на кромке ширмы, красные черевички со стразами примеряются на мужские ноги. Спектакль получился легким, веселым, слегка небрежным, по замыслу режиссера, однако актеры показали себя как мастера пантомимы и профессиональные кукловоды. Тем не менее, многие были разочарованы отсутствием поэтического сказочного гоголевского текста.

Такая интерпретация известного сюжета вызвала реплику знакомой учительницы литературы, которая пришла на спектакль с классом. Дети не поняли композиционного разделения на две части, не уловили смысла бегло разыгранного сюжета о Диканьке. Учительнице спектакль понравился, позднее она объяснит ученикам происходящее, вместе прочитают повесть. Постмодернистская интертекстуальная игра не всегда понятна детям, а спектакль рассчитан на возраст 12+. Существуют ли границы для эксперимента, обращённого к определенной аудитории?

Гродненский областной театр кукол, известный за рубежом, отмеченный премией Президента Республики Беларусь «За вклад в развитие международных культурных связей», привез два спектакля, оба в постановке заслуженного деятеля искусств Республики Беларусь Олега Жюгжды - «Кошкин дом» и «Золочёные лбы» по сказке знаменитого поморского писателя Бориса Шергина. Последний обладает традиционной для кукольного театра композиционной двуплановостью. Это камерный спектакль для двух актеров, которые играют драматические роли рассказчиков: мужчина средних лет, явно пьяница, в растянутой майке, красном галстуке на голой шее, кепке и сапогах (Алексей Кирмуть) и женщина в калошах и сером халате с ведром и щеткой - уборщица (Людмила Павловская). Отношения персонажей, их флирт, танцы и выпивку сопровождает старый известный фокстрот «Грустить не надо» на музыку Блантера и стихи Масса. Даже если малейший жест выверен режиссером, создается ощущение непринужденной сиюминутной импровизации. Заметим, что роль уборщицы - немая, с помощью выразительной пантомимы Людмила Павловская создает характер и забитой, и находчивой компанейской тетки. Алексей Кирмуть играет все голосовые роли, используя поморский говор, его образные речения и присловья. Он меняет интонации, перевоплощаясь в героев сказки. Слово в этом спектакле исключительно важно, поскольку Шергина называли «держателем северо-русского сказа». Сказка повествует о том, как ушлый мужичок Капитонко обманул царя и всю его семью, а они потом долго его шалости расхлебывали. Интересна работа художника Ларисы Микиной-Прободяк, которая создает сценографию и предметы из подручных средств. Художественный образ вырастает из быта. Стол, ситцевая занавеска легко превращаются в окно, парус, дворец. Так и видится, как взрослые занимали в старину детей - из терки, дырявых ложек, подстаканников, коробочек, тряпочек собирали фигурки и на ходу придумывали сюжет. Сама же сказка Шергина довольно современна, в ней есть игрушечный пароход и дирижабль с корзинкой.

Между хмельными развеселыми рассказчиками и грубоватым плутоватым Капитонко существует художественная и психологическая взаимосвязь, продуманы режиссером и переходы от драматической игры актеров к кукольным образам. Однако есть нюанс в показе этой постановки на Севере. Поморская сказка, несмотря на соблюдение особенностей говора, рассказана на чужом языке, от лица пьянчужек. Рассказана талантливо. Режиссер использует известный прием, взгляд со стороны на общепринятое. Если эти рассказчики поморы, тогда трудно представить, живя на Кольском Севере, поморов опустившимися, бытовыми пьяницами. Традиционно в исторических и художественных текстах поморов описывали как мореходов, строителей кораблей, рыбаков, открывателей новых земель, людей грамотных, не знавших крепостного права. Пили, бывало, и крепко, Пришвин описывал, но не было в условиях Арктики досуга для деградации. Сам прием «чужого языка, иной точки зрения» оправдан, но в этой ситуации вызывает вопросы, касающиеся не столько функции, сколь определения самих рассказчиков

Олег Жюгжда - режиссер очень востребованный, вот и в мурманском кукольном театре ожидали, когда он освободится для постановки «Голого короля» по пьесе Шварца. Текст пьесы позволяет множественные и вольные его интерпретации, особенно в кукольном театре. Основной посыл этой драмы, раскрывающий трансформацию правды и лжи, режиссёр переводит в область постмодернистских симулякров, ложных знаков, пустых символов, заместителей реальности. В этом смысле игровые ситуации, связанные с куклами, дают возможность для безграничных фантазий. Олег Жюгжда использует разные виды кукол, это марионетки, манекены, одетые в костюмы, за которыми стоят актеры, куклы свиней, похожих на плюшевые игрушки, театр теней и многое другое. Большинство мизансцен предполагает участие 6-7 актеров, благодаря куклам сцена кажется многонаселенной так же, как и в пьесе Шварца, а влюбленные свинопас Генрих (Артем Мясников) и принцесса Генриетта (Елизавета Досаева) становятся особенно уязвимыми в толпе придворных. Режиссер создает меняющееся игровое пространство, актеры не только манипулируют куклами, но исполняют полноценные драматические роли. В этом спектакле нет статистов, для каждого небольшого актерского ансамбля режиссер придумывает репризу. Штат придворных дам (Татьяна Смирнова, Лилия Федосенко, Александра Иванова) подстраивается под настроение короля-отца и короля-жениха, актрисы танцуют, разыгрывают пантомимы, ссорятся. Своя сюжетная линия есть у гротескной пары - служаки-камергера (Иван Песнев) и «страшной» гувернантки принцессы (Екатерина Ефремова), которые выпивают, флиртуют, словом, хулиганят. Утрированно комически играет престарелого Первого министра Денис Савельев. Не соглашаясь с королем, он уходит, оставляя вместо себя манекен, одетый в придворный мундир. Режиссерская композиция содержит сюжеты трех сказок, волшебный горшок представляет сказку о свинопасе, упоминается «Принцесса на горошине», но центром спектакля становится история о голом короле. Денис Дмитриев, король-жених, не имеет собственной куклы. Он играет драматическую роль, которая становится смысловым центром спектакля. Король появляется на сцене в кровати, и это намек на короля-солнце Людовика ХIV, который из спальни руководил Францией. На сцене видна только тень просыпающегося короля. Тема короля и его тени известна в драматургии, и это не только призрак отца Гамлета, но и «тень Лира», как называет Шут утратившего власть Лира. Креонт в драме Софокла «Антигона» не стоит и «тени дыма» после того, как разрушил мир вокруг себя. Власть призрачна, доказывает режиссер. Формальна власть короля-отца (Сергей Репин) над Генриеттой, она не слушает ни гувернантку, ни жениха. Придворные не всегда выполняют приказы. Рядом с королем в уютном халате и горностаевых тапках его двойник, таким он видит себя - и это пластмассовая копия «Давида» Микеланджело! Расстояние от тени до идеального образа человека велико. Денис Дмитриев играет образ «отрицательного обаяния», становясь его адвокатом. Это король-шалун, который до бесконечности придумывает забавы для себя и придворных, ставит им ловушки, угрожает казнью, но всегда смеется, и его не боятся. В одну из ловушек попадает он сам, поскольку заставлял ткачей признать, что дешевые тряпки цвета хаки - это кружева и бархат! Заметно, что актер наслаждается ролью, а зрителям в удовольствие наблюдать за сменой эмоций, живой мимикой, пластикой непредсказуемого персонажа. В финале нет ощущения победы добра над злом. Глупого и смешного короля обманули и обругали. Это вовсе не повод для всенародного ликования. Режиссер смягчает сатирические краски в пользу юмора. Невозможно обойти вниманием работу художника-постановщика Амира Ерманова, художественный образ красочного зрелища, костюмы, сценография, обладающие смысловыми акцентами, не просто удачны, но созданы с большой фантазией. Саундтрек композитора Петра Макарова интонационно соответствует иронической атмосфере постановки. Спектакль получился ярким, глубоким, с элементами импровизации и нестандартным прочтением текста.

Фестиваль «Полярная сова» пригласил и детские театры, в частности, детский драматический Театр «У Нарвских ворот» из Санкт-Петербурга с постановкой «Фабрика слов» по книге французской писательницы Аньес де Лестрад. Коллектив известен своей работой с детьми с особенностями развития, фестивалем детских театров «Волшебный фонарик», является лауреатом разнообразных премий. «Фабрика слов» - спектакль-антиутопия. Есть фантастическая страна, в которой слова, имена, буквы покупаются. Человек овладевает словом, проглатывая его написанным на бумаге. Те, у кого есть деньги, обладают множеством слов, а значит, им доступно общение, знания, образование - весь мир. У бедных набирается едва ли десяток. На сцене любящая семья без особого достатка, по сюжету родные выбирают имя для ребенка и готовы пожертвовать любым запасом слов для его счастья. Сценография воспроизводит мир в блеклых тонах, на сцене подобие мусорной кучи, поскольку из ржавых труб потоком несутся обрезки бумаги - испорченные слова. Бумага летает по сцене, заполняет мусорные баки, вызывая в памяти страницы из романа Оруэлла «1984». В романе герой правит и уничтожает газетные тексты, отправляя их по пневматическим трубам на дальнейшую переработку. А его приятель, создавая «новояз», говорит о том, «как прекрасно уничтожать слова, оставляя от языка скелет». Поскольку основной посыл спектакля антибуржуазный, то уместно обращение режиссеров (Алексей Шульгач, Диана Разживайкина) к приемам эпического театра Брехта. Актеры (Антон Хатеев, Марина Петромаева, Роман Сидоренко, Павел Москалёв) играют в объемных масках-шлемах, когда исполняют роли граждан государства, и снимают их, когда поют зонги под живую музыку. В зонгах от лица персонажей рассказывается о чувствах, объясняется происходящее, герои дистанцируются от убогой жизни. Это именно стиль брехтовских зонгов и разработанный им «эффект очуждения». Есть и куклы, собранные из железок с фотографией вместо лица - своеобразный паспорт личности, ее замена. Используется и эффект «театр в театре», поскольку актер-повествователь, повзрослевший мальчик Филеас, комментирует события прошлого. У этого спектакля ясный нравственный посыл. В финале Филеас выигрывает в лотерею миллиарды слов и делится со всеми, кто обездолен, давая понять, что многое в жизни бесценно. Тема сокращенного языка, который убивает мысли и чувства человека, связана и с нашим миром цифровых технологий. Пожалуй, именно этот спектакль самый стильный и самый цельный с позиции театральной образности.

Фестиваль, несомненно, удался, зрителей на спектаклях было много, а вот эксперты и главный режиссер мурманского кукольного театра Петр Васильев посетовали на недостаток времени, «чтобы детально обсудить затронутые темы, добиться точных определений в современной профессиональной терминологии, спорить до рождения Истины».

«Лесная энциклопедия» свидетельствует, что полярная сова постоянно проживает в Арктике, не улетая в теплые края. Вот и мы будем ждать и надеяться, что фестиваль «Полярная сова» станет притягательным для театров кукол и детских театров со всей России и из дружелюбного зарубежья.

Фото О. ФИЛОНОК

Фотогалерея